Сделай Сам Свою Работу на 5
 

Здание Парламента в Лондоне, Чарльз Барри, 1839

Парламент в Лондоне — грандиозное сооружение, являющее собой возрождение

готического стиля. Этот архитектурный ансамбль— символ патриотических чувств— слу­жащий резиденцией обширного и сложного пра­вительственного аппарата, представляет собой лю­бопытное слияние разных стилей — в его компо­зиции точно повторяющаяся симметрия централь­ного холла сочетается с живописной неправильностью общего силуэта.

Здесь мы видим имитацию поздней готики, замковые и дворцовые формы. Теперь появляется фасадная архитектура, которая мало зависит от своего объемно-пространственного свойства.

 

Cristal Palace, Пэкстон, 1851, Всемирная выставка в Лондоне.

 

Хрусталь­ный Дворец представлял собой гигантскую оран­жерею, такую громадную, что в ней поместилось несколько старых деревьев, росших на строитель­ной площадке, причем металлический каркас зда­ния не был ничем задекорирован. И все же по­нимание того, что плоды инженерной мысли могут быть не только полезны, но и красивы, прокла­дывало себе путь чрезвычайно медленно, хотя при­нцип «форма следует за функцией» находил сто­ронников уже к середине XIX века. Подобные новые методы и такие строительные материалы как металлические стержни и трубы могли использоваться только в сооружениях, вообще не являющихся «архитектурными». Таким образом, Хрустальный Дворец Пэкстона стал проводникомком будущей архитектуры. Создается архитектура для недолгого в ней нахождения человека.

 

Сакре-Кёр, П. Абади, 1875

Форма куполов повторяет силуэт базилики XII в.Сен-Френон. Высота основного купола 83 м, высота колокольни около 100 м. Внутри базилика украшена цветными витражами и монументальной мозаикой на тему «Благоговение Франции перед Сердцем Господним». С вершины Монмартра, куда ведет широкая многоярусная лестница, открывается панорама Парижа. Архитектурные элементы становятся декорацией, будто взяты из стандартного набора. Начало постмодернизма – поливариативная ценностная система, где абсолютно все может быть процитировано.



Живопись 19 века.

Для Европы вторая половина 19 века-время активных социальных преобразований и быстрого развития промышленности. Люди искусства стремились уловить и передать в своем творчестве образы нового времени. Рушились старые художественные принципы, отметались старые сюжеты.

Уже второй век подряд законодательницей мод и стиля жизни оставалась Франция. В Париже проходили салоны, на которых выставлялись отобранные жюри картины современных живописцев.

Многие французские мастера того времени стремились достичь наибольшей достоверности в изображении природы и человека, искали новый художественный язык, способный правдиво отразить действительность. Ведущим принципом в искусстве этого периода стал РЕАЛИЗМ (от лат. Realis-действительный, вещественный).

Камиль Коро (1796-1875)

Жан Батист Камиль Коро создал более двух тысяч произведений, главная тема которых-природа. Отношение к творчеству художника было неоднозначным: одни критиковали работы за небрежность исполнения, другие восхищались непосредственностью и искренностью живописной манеры. Коро выбрал пейзаж-жанр, не признанные в академических кругах. Начиная с 30х годов Коро начинает привлекать в свои пейзажи античных мифологических персонажей, как это было принято в академической живописи («Гомер и пастухи»1845)

В зрелых работах Коро очертания деревьев, зданий, фигур растворяются в воздушной дымке, которая окутывает предметы. Художник сознательно сократил число красок на своих полотнах, писал, используя множество полутонов. Его все больше привлекали переходные состояния природы.

(«Воз сена»)

 

БАРБИЗОНСКАЯ ШКОЛА.

Барбизон - маленькая деревушка на окраине Фонтенбло, загородной королевской резиденции возле Парижа. В 30-60-х гг. 19 века там предпочитала работать группа живописцев, получившая название барбизонской школы.

Изображения обыкновенной природы, лишенной драмматических эффектов, стало своеобразным манифестом этих художников, для которых жесткие, консервативные и далекие от жизни требования академий были неприемлимы, мешали творческому развитию.

Одним из художников этой школы был Пьер Этьен Теодор Руссо.

«Аллея в лесу Л`Иль-Адам» Изображен весенний лес. Художник будто увлекает зрителя в чащу: передний план затемнен, второй-залит солнцем и манит взгляд. Поверхность картины покрыта мелкими мазками красок разнообразных оттенков, которые словно лепят стволы и листву деревьев, зелень травы.

Живописцы барбизонской школы оказали заметное влияние на развитие реалистического искусства во Франции. Их пейзажи научили публику воспринимать живые впечатления от природы. Отныне к пейзажу перестали относиться как к незначительному жанру.

Густав Курбе (1819-1877)

На Салон 1850г. Предложил две картины: «Дробильщики камней» и «Похороны в Орнане». На первой из них он изобразил двух рабочих, молодого и старого, раскалывающих камни на дороге. Молодой рабочий полон сил, но в его позе нет уверенности и надежды. У старика еще более унылый и обреченный вид. Коричневатый тон картины усиливает безрадостное настроение. Картина не сохранилась-утеряна во время Второй мировой войны.

 

На картине «Похороны в Орнане» Курбе расположил около 50 фигур в натуральную величину (площадь картины-21квадратный метр). Картина имела сложное программное содержание: скончался дед художника (поэтому в композиции присутствует автопортрет мастера). Дед его был современником Французской революции. Его друг стоит у могилы в костюме конца 18века и как бы вопрошает: какое поколение идет нам на смену?

Обе картины показались публике и критике вульгарными по содержанию и грубыми по исполнению.

Еще одним знаменитым произведением мастера является картина «Мастерская художника». Она имела и развернутое название «Мастерская художника, или Реальная аллегория, характеризирующая семилетний период моей художественной жизни». В центре большого полотна сам Курбе, пишущий пейзаж. У него за спиной обнаженная модель-символ жизнеутверждающей творческой энергии. Справа-друзья художника, в том числе поэт Шарль Бодлер, слева-социальные аллегории.

Эдуард Мане(1832-1883)

В 1863 и 1865 представил на Салон две картины: «Завтрак на траве» и «Олимпия».

«Завтрак на траве» - на лесной поляне расположились мужчины в современных костюмах. Они о чем-то беседуют, не обращая внимания на женщин - обнаженную, сидящую рядом, и другую, купающуюся в ручье. Картина вызвала негодование публики.

В конце 60х творчество Мане привлекло молодых художников-импрессионистов- Эдгара Дега, Клода Моне, Огюста Ренуара. Его мастерская на время стала центром художественной жизни. Влияние импрессионистов заставило Мане рисовать на плэнере и сделать палитру светлее. Но он продолжил и собственные творческие поиски. Мане писал крупными мазками, стремился к четкой структуре композиции, ясности изображения.

За год до смерти Мане выставил одно из своих самых совершенных произведений - «Бар В Фоли-Бержер». За сойкой бара, над натюрмортом из фруктов и бутылок возвышается немного грустная, обаятельная девушка, слушающая клиента, который отражается в зеркале за ее спиной. Удивительный эффект двойного изображения-мистический характер. Притягивает взгляд зрителя.

 

ИМПРЕССИОНИЗМ.

Импрессионизм-художественное направление, возникшее во Франции в последней трети 19 века.

На одной из выставок была представлена картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» - вид гавани, окутанной розовым туманом, сквозь пелену которого проступает утреннее солнце.

С легкой руки критика газеты «Шаривари» слово «впечатление» - «impression» дало название творчеству участвовавших в выставке художников.

Выставка импрессионистов была первым коллективным вызовом официальному академическому искусству, Салону, критике, консервативно настроенной публике. Современники назвали художников «бунтовщиками», а жюри Салона постоянно отвергало их произведения.

Одним из важнейших правил, которым следовали импрессионисты, была работа на пленэре. Выйдя на улицу, художник попадает в ситуацию, полностью отличающуюся от условий мастерской: исчезают четкие контуры, свет и цвет постоянно меняются. Следовательно, можно изобразить лишь мгновенно возникшее впечатление о цвете и форме предмета. Импрессионисты отказались от смешанных цветов, начали писать чистыми и яркими красками. густо нанося их отдельными мазками (нужный тон достигался оптическим смешением красок во время созерцания картины). В 60х в Париж привезли первые японские гравюры, вызвавшие всеобщее увлечение ими. Японская ксилография стала источником художественных приемов: яркий и гармоничный колорит, использование воздушной перспективы.

На первой выставке Моне показал также и картину «Бульвар Капуцинок» - случайный взгляд, брошенный художником сверху из окна на шумящую толпу, заполнившую бульвар. Густая синеватая тень, отброшенная домом, заставляет солнечную сторону улицы сиять и излучать тепло.

 

Еще одним художником-импрессионистом был Эдгар Дега.

Картина «Балетный класс» - царство бесконечного движения. Рама обрезает фигуры балерин, что усиливает ощущение взгляда, остановившегося на происходящем в репетиционном зале действии.

 

Критик Эдмон Дюранти так описал научные основы живописного метода импрессионистов: «В работе над цветом они сделали настоящее открытие, которое заключается в том, что освещение в природе изменяет краски, что солнце стремится вернуть их световой комплекс, сливающий 7 призматических лучей в один неокрашенный поток, который и есть дневной свет.»

Огюст Ренуар также входил в группу художников. Картина «Мулен де ла Галетт» запечатлела гулянье парижан (среди которых и друзья и знакомые художника) в саду популярного танцевального зала на Монмартре. Модистки, клерки, прелестные барышни и элегантные кавалеры танцуют, сидят за столиками, смеются, кокетничают. Радостная атмосфера праздника передана множеством пятен света и цвета, оживляющих героев картины.

Восьмую выставку импрессионистов организовал Дега. Моне, Ренуар обиженные тем, что их не допустили к организации, отказались принимать в ней участие.

Дега выставил пастели, названные «Серия обнаженных женщин, которые купаются, умываются, вытираются, растираются, причесываются или дают себя причесать». Изображения эти похожи на кадры кинохроники-мгновения скрытого от глаз бытия, таинственного и будничного одновременно. Мастеру удалось достичь единства выразительности линии и цветовых пятен.

(«Женщина, расчесывающая волосы»)

Событием выставки стали полотна так называемых неоимпрессионистов Жоржа Сёра и Поля Синьяка, похожие на мозаики. Были также представлены работы Поля Гогена.

Эта выставка стала последней, на ней появилось много мастеров, чей стиль выходил за пределы импрессионизма. По стопам импрессионистов пошло новое поколение: неоимпрессионисты и постимпрессионисты.

НЕОИМПРЕССИОНИЗМ.

Неоимпрессионизм-течение, связанное с импрессионизмом и развивающее его. Цель-заключить живописную интуицию импрессионистов в рамки научного метода. В понятии «ДИВИЗИОНИЗМ» (от франц. Division-разделение) заключалась суть метода неоимпрессионистов, основанного на законе оптического восприятия: глаз способен синтезировать нужный цвет, соединяя световые лучи, следовательно, художник может не пытаться смешивать этот цвет на палитре: надо просто наносить определенные составляющие цвета в определенных сочетаниях на полотно. «ПУАНТИЛИЗМ» (от франц.point-точка) - техника неоимпрессионистов. Чистые цвета наносятся отдельными маленькими мазками, похожими на точки.

Жорж Сёра – «Цирк». Художник, в отличие от импрессионистов, переносил на холст не мгновенное впечатление от увиденного; все артисты и зрители объединены в целостную, тщательно продуманную композицию.

Отойдя от импрессионизма, неоимпрессионизм превратился в художественное течение, отразившее одну из сторон творческих поисков конца 19 века: интеллектуальность и новый подход к технике живописи, не только превратили его в значительное явление искусства, но и позволили ему влиять на художественную жизнь 20 столетия.

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ.

В конце столетия о себе громко заявили четыре художника: Поль Сезанн, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Анри де Тулуз-Лотрек. Стремились к познанию истинной сущности вещей, скрывающейся под их внешностью.

Не найдя гармонии в современном им обществе, художники обратились к природе, ища в ней успокоения. Стремились запечатлеть не мгновения, но вечность.

Сезанн искал способы передать материальную структуру вещей - форму, плотность, фактуру, цвет. Тщательно подбирая цветовые соотношения, он нередко подчеркивал контуры предметов резкой линией, сознательно деформируя изображаемое. Формы в его натюрмортах приближались к простым геометрическим фигурам, а в пейзажах скаты крыш, стены домов и горы образовывали ровные плоскости. Он строил продуманную и устойчивую композицию, где каждая деталь-часть единого целого.

(«Натюрморт с яблоками и апельсинами»)

Изображая человека, живописец рассматривает его как любой другой предмет, интересуясь лишь передачей форм. Характер и внутренний мир отступают на второй план. Творчество Сезанна отражает родство всех проявлений материального мира - человек, дерево и чашка равнозначны.

Ван Гог - на его полотнах все становится носителем мыслей и чувств художника.

Лимонно-оранжевый диск солнца над полыхающими красным огнем виноградниками. Ощущение жара. Синева теней и бликов на воде усиливает яркость солнечного света. - «Красные виноградники».

Солнце над головой сеятеля похоже на нимб, его лучи согревают землю, принимающую семена. - «Сеятель».

 

Поль Гоген совмещал в своих работах действительность и миф, создавая иную, непосредственную и чистую реальность. Вдохновение художник обретал на Таити и Хива-Оа. Тут он искал естественную жизнь, не тронутую цивилизацией, стремился вернуться к древним корням человечества.

На его полотнах в бесконечном пространстве, наполненном лиловыми, изумрудными, голубыми пятнами сохраняются четкие контуры и форма предметов. Изображения людей приобретают монументальность. («Таитянки»)

ЖИВОПИСЬ ГЕРМАНИИ.

Немецкое искусство развивалось в одном направлении с другими европейскими школами-обогатившись в середине столетия новыми изобразительными средствами, художники, испытавшие разочарование в реализме, искали новые темы и пути их воплощения.

Андерс Цорн - «портрет Коклена».

ЖИВОПИСЬ АНГЛИИ.

В живописи Англии главенствующее положение сохранила академическая школа. Неглубокие, слащавые с надуманными сюжетами работы членов Лондонской Королевской академии пользовались популярностью у викторианской публики. Ни одного интересного художника в 19 веке.

Были и движения против академизма - «прерафаэлиты» - яркие краски, странные сюжеты. Не хотели официальности и условности. Выражали интерес к мастерам проторенессанса, художникам 15века.Отказались от академических принципов работы, считали необходимым писать с натуры. В качестве моделей выбирали друзей, родственников-не хотели изображать посторонних. Использовали чистые цвета, писали по сырому белому грунту без подмалевка.

Данте Габриэл Росетти «Слуга господня»:

 

На рубеже 19-20 веков в кругу французских поэтов (Верлен, Вербо) родилось новое художественное течение-символизм, ведущее искусство в мир мечты и фантазии. Искусство - идеи, облеченные в форму символов. Под влиянием эстетики символизма в архитектуре, живописи и декоративно-прикладном искусстве сформировался стиль «МОДЕРН» («новейший», «современный»). В Англии и Франции этот стиль еще именовался «Ар Нуво».

Модерн начался в графике и прикладном искусстве: появились импульсивные, нервные линии, украшавшие книжные и журнальные обложки, мистическое мерцание цветного стекла витражей и посуды.

Густав Климт. (1862-1918) -австрийский художник.

«Любовь» - прекрасная молодая пара, написанная почти с фотографической точностью, показана в условном пространстве, напоминающем клубящиеся облака. В таинственном сиренево-сером тумане проступают несколько женских лиц-девушка, женщина, безобразная старуха. Эти лица-маски, возможно, - символы страданий и смерти, неизбежно сопутствующих любви. Полотно пронизано тонким романтизмом, а сочетание натурализма и аллегории придает ему особую изысканность.

Творчеству Климта характерны все признаки стиля модерн-тяготение к символике и сложным аллегорическим образам, стремление к необычным декоративным эффектам, постоянное желание экспериментировать.

 

ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ: РЕАЛИЗМ – ИМПРЕССИОНИЗМ – НЕОИМПРЕССИОНИЗМ – ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ - МОДЕРН.

 

СТРАНЫ и ХУДОЖНИКИ: ФРАНЦИЯ (Жан Батист Камиль Коро, Теодор Руссо, - «барбизонская школа» Густав Курбе, Эдуард Мане-реализм/, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега-импрессионизм/, Жорж Сёра - неоимпрессионизм/, Поль Сезанн, Поль Гоген, Винсент Ван Гог-постимпрессионизм), АНГЛИЯ (Данте Габриэл Россетти-прерафаэлиты), ГЕРМАНИЯ (Андерс Цорн), АВСТРИЯ (Густав Климт-модерн).

 



©2015- 2022 stydopedia.ru Все материалы защищены законодательством РФ.