Типологическое и жанровое деление в истории живописи.

Различие видов изобразительного искусства во многом объясняется тем, что живопись, графика, декоративно-прикладное искусство, скульптура обладают своими сферами отображения жизни. В смысле широты охвата жизни, различных событий, природы пальма первенства принадлежит живописи. Хотя в картине изображение развертывается на плоскости, художник может создать иллюзию глубокого пространства, путем сочетания красочных оттенков наполнить полотно светом и воздухом. Колорит-могучее оружие живописца, он помогает дать яркое и многогранное представление о действительности, усиливает эмоциональную выразительность художественного образа. По существу, живописец может изобразить все нас окружающее.

Художник-график гораздо более ограничен в этом смысле по сравнению с живописцем. в основе графического произведения лежит преимущественно рисунок, главным средством выражения которого являются соотношения черного и белого, выразительность линии, светотень, тон. по самой природе графика-искусство более камерное, чем живопись. вместе с тем изобразительные средства графики позволяют решать столь же ответственные и серьезные темы, что и в живописи.

В течение многовекового развития изобразительного искусства определились его различные типы и жанры.
Живопись делится на несколько ВИДОВ:1)МОНУМЕНТАЛЬНАЯ живопись, связанная с архитектурой. к монументальной живописи относятся стенные росписи, мозаика. этот тип живописи возник очень давно(древние стенные росписи (фрески) Египта, Древнего Рима, Кита, Индии. великолепные мозаики сохранились от византийского искусства, которое развивалось с первых веков нашей эры до завоевания Константинополя турками в середине 15 века. из Византии техника мозаики перешла в Киевскую Русь, но особенное распространение в древнерусском искусстве получила фресковая роспись. восхищает нас и монументальная живопись Италии эпохи Возрождения. сегодня монументальная живопись является неотъемлемой частью многих архитектурных сооружений-мозаичные пано украшают станции метро, стенные росписи имеются во многих театрах и т. д.
2)ДЕКОРАТИВНАЯ. чаще всего она также связана с архитектурой и носит название "монументально-декоративной" , однако в отличие от собственно монументальной живописи декоративные композиции состоят из различных орнаментальных мотивов, а порой из символических атрибутов -знамен, эмблем, отдельных предметов. история стенной декоративной живописи уходит корнями в глубокую древность. это очень обширная и интересная область изобразительного искусства, она более связана с повседневной жизнью, чем монументальная. она находит применение в росписи бытовых предметов(хохлома).
есть и театрально-декорационная живопись, связанная с оформлением сцены, театральным представлением.
есть и также не имеющая самостоятельного значения миниатюрная живопись, священная с книгой, изделиями декоративно-прикладного искусства. подлинного расцвета миниатюрная живопись достигла в Древней Греции, где она была связана с росписью ваз(вазовая живопись-богатейший источник наших знаний об античном мире). миниатюрная живопись играла важную роль до изобретения книгопечатания. в эпоху средневековья были созданы многочисленные произведения книжной миниатюры. дальнейшем появилась портретная миниатюра.
2) СТАНКОВАЯ живопись -к ней относятся картины ,написанные на металле, доске, холсте, картоне(то есть те произведения, что можно переносить). станковая живопись возникла в начале нашей эры к ней можно причислить иконы, появление которых связанно с победой христианства. собственно станковая живопись появилась в конце средневековья в Европе 14-15вв. , когда религиозное содержание в искусстве стало уступать место реальной жизни. станковая живопись является высшим типом живописи, художник свободен в выборе тем и сюжетов, он может выразить волнующие его чувства и мысли.

Живопись обладает многочисленными ЖАНРАМИ.
1)МИФОЛОГИЧЕСКИЙ ЖАНР получил богатое развитие в изобразительном искусстве тех эпох, когда мифология и религия играли важную роль в духовной жизни людей мифология возникла на заре человеческого общества. бессильный перед лицом могущественной природы, видевший в каждом ее явлении действие добрых и злых сил, человек населил мир духами, богами, героями. по законам мифологического жанра строятся многочисленные религиозные композиции Востока и Запада эпохи средневековья. применительно к средневековому искусству этот жанр называется религиозным. мифологический и религиозный жанры играли существенную роль в живописи эпохи Возрождения (но здесь , в противовес средневековью, они обрели земной характер). религиозные композиции Рафаэля, Да Винчи, Микеланжело, Тициана и многих других творцов проникнуты реальным содержанием. подлинно реалистические полотна в мифологическом жанре были созданы Рембрандтом, Рубенсом, Пуссеном и многими другими мастерами. широкое распространение этот жанр получил и в искусстве 18 века. в эпоху французской буржуазной революции он играл вполне прогрессивную роль(Давид, чьи произведения в античных образах выражали патриотические и гражданские идеи). и в 19веке художникам в рамках религиозного и патриотического жанра удавалось многое сказать о жизни и о человеке.
А.Иванов «Явление Христа народу»

2)БЫТОВОЙ ЖАНР. возник в европейском искусстве в 16веке, но то не значит, что его не существовало в искусстве предыдущих эпох: его истоки теряются в глубокой древности, и все же как жанр он сформировался именно в 16 столетии, когда возник жадный интерес к повседневной жизни человека. особенное значение бытовой жанр обрел в 17 веке в голландском искусстве (Ян Вермеер, Герард Терборх...)испанский живописец Веласкес также работал в бытовом жанре. в русском искусстве 19столетия бытовой жанр также представлен достаточно широко: Венецианов, Федотов, Перов , Репин, Маковский, Прянишников...
Уильям Хоггарт «Модный брак».

4) ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР. -картины, рисующие жизнь людей прошлого, посвященные большим историческим событиям, воссоздающие облик и быт людей давних времен. границы между историческим, мифологическим и бытовым жанрами зачастую неустойчивы. полотно "Крестный ход в Курской губернии" Репина сейчас воспринимается как историческое полотно, хотя в годы ее создания современники были частыми свидетелями изображенного. Начиная с эпохи Возрождения исторический жанр приобретает большое значение в искусстве. Особенно много внимания художники уделяют античной истории. В 19 веке мастера разных стран обращались к родной истории (Менцель в Германии, Мессонье во Франции). Исторический жанр играл большую роль в советском искусстве-события 1905 года, отображение деятельности Ленина и других руководителей коммунистической партии.

Репин «Крестный ход в Курской губернии»

5) БАТАЛЬНЫЙ ЖАНР-многими своими сторонами близок к историческому, в него входят картины сражений. История батального жанра насчитывает не одно столетие. В станковой живописи картины сражений приобрели популярность в 17 веке (одним из русских мастеров-баталистов считается Верещагин). Верещагин «Нападение врасплох»

6) ПОРТРЕТНЫЙ ЖАНР - один из древнейших жанров изобразительного искусства. Искусство Древнего Египта оставило нам скульптурные и живописные портреты фараонов и высших сановников. В искусстве Древней Греции наряду с созданием обобщенных идеальных образов художники уделяли внимание и портрету. В эпоху средневекового подчинения искусства религии портретный жанр не получил особого развития, но в эпоху Возрождения в Италии, Германии, Нидерландах, Франции создаются реалистические портреты, обнаруживающие внимание художников к внешнему и внутреннему облику человека. (Да Винчи, Тициан, Ван-Эйк). В 17веке творили знаменитые портретисты Рембрандт, Веласкес, Рубенс, Ван Дейк, Хальс-создали неповторимые образы своих современников, поражающие тонкостью психологического анализа. Развитие получает и групповой портрет. В 18веке портретный жанр расцветает в Англии, где работают такие мастера, как Рейнольдс и Гейнсборо. Давид и Энгр -тонкие внутренние характеристики. В России второй половины 18-19 века творили Рокотов, Боровиковский, Левицкий, Кипренский, Крамской, Репин, Серов, Перов. Советские художники шли по уже проложенному пути.
Огюст Ренуар «Портрет Жанны Самари»

7) ПЕЙЗАЖНЫЙ ЖАНР-как самостоятельный возник в европейском искусстве 16-17 веков. Особенное внимание ему уделяли голландские живописцы, которые вносили в картины и человеческий фактор. В этом жанре работали и такие европейские мастера, как Коро, Тернер, Констебль, Лоррен (природа как источник прекрасного в жизни человека). Существенные особенности свойственны пейзажам китайских и японских художников (показать величие художников, дать понятие о необъятности мира). В русском искусстве пейзажный жанр приобрел особое значение во второй половине 19века в творчестве Ф. Васильева, Саврасова, Шишкина, Левитана.
Моне «Лягушатник»

8) ЖАНР НАТЮРМОРТА- изображение вещей и предметов, окружающих человека в жизни. Как самостоятельный жанр возник в 17веке во Фландрии и Голландии, завоевал признание в искусстве многих стран. Смысл натюрморта заключается не только в изображении предметов, но и в выражении через них мироощущения людей, их отношения к жизни.
Питер Клас «Завтрак с ветчиной»

9) АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ ЖАНР- изображение животных.

Дюрер. Рисунок.

Сами жанры возникли и сформировались в результате стремления художника к полноте и многообразию изображения жизни. В процессе исторического развития установились закономерности, которые определяют выбор художником того или иного жанра.

Портрет в живописи.

Портрет как самостоятельный жанр изобразительного искусства возник, когда человек начал осознавать себя самостоятельной личностью. В древности человек был частью целого, частью общества, он подчинял ему собственные желания, цели, устремления.

Лишь в эпоху Возрождения человек стал осознаваться центром мироздания, тогда портретный жанр и окончательно сформировался (но имеет глубочайшие корни еще в древности).

Портрет-жанр изобразительного искусства, передающий неповторимое своеобразие определенного человека. Портрет-это и само произведение этого жанра. Изображаемый на портрете именуется моделью или портретируемым. Для художника зачастую важно отразить не только внешнюю оболочку, но и заглянуть в внутренний мир, душу своей модели, показать особенности характера, переживания, эмоциональное состояние. Детали помогают художнику показать общественное положение портретируемого, придать ощущение исторического периода.

Первые произведения, являющиеся портретами, относятся к глубокой древности. Фрески, найденные при раскопках дворца на о.Крит, среди них широко известная «Парижанка» донесли до нас черты лица молодых женщин.

Здесь речь идет не о раскрытии характера, даже внешность передана достаточно условно. (предпортрет).

Первыми портретами, стремившимися к передаче индивидуальных черт, стали работы мастеров Древнего Египта, Греции, Рима. Эти портреты были большей частью скульптурными. Родоночальниками живописных портретов стали фаюмские портреты, названные по месту находки (Египет, Фаюмский оазис).

Классификация живописных портретов.

Существует несколько типов классификации портретов. По характеру изображаемой модели портреты делят на женские, мужские, детские; по числу изображенных-на индивидуальные, двойные и групповые (парные-особая разновидность: чаще всего изображаются супруги, написаны на отдельных полотнах, но объединены общим фоном, колоритом, композицией, форматом. В зависимости от размеров портреты делятся на «в натуру», малоформатые, миниатюрные и т.д. По полноте изображения фигуры портреты бывают поясные, погрудные, поколенные, в полный рост.

Делятся так же на парадные и камерные.

Парадный-всегда выполняется на заказ. Запечатлеются монархи, знать, военачальники и т.д. Богатое парадное облачение, богатые украшения, статусные предметы. Фон-природный/архитектурный пейзаж. Изображение чаще всего лишено психологичности, проникновения во внутренний мир. Важно прославление, возвеличивание реальных/мнимых достоинств.

Камерный-появился в эпоху Возрождения и расцвел в 17веке.Мог быть выполнен на заказ, мог быть написан художником по собственному желанию. Изображались и влиятельные особы, и простолюдины. Меньшее ограничение в выборе модели, в построении произведения. Нет места напыщенности и пышности, излишней красивости и лести. Как правило поясной или погрудный, на нейтральном фоне. Часто невелик по размерам, сближает героя и зрителя.

Бывают еще и костюмированные, исторические и т.д.

1) Фаюмские портрет.

Найдены в египетском оазисе Фаюм, в некрополе с захоронениями мумий.

В бинты мумий были вставлены дощечки с изображениями человеческих лиц. В последствии подобные портреты стали называть фаюмскими, были обнаружены в нескольких оазисах (750примерно известно таких вот портретов на сегодняшний день, а в самом Фаюме их было найдено приблизительно 300).

Эти портреты были выполнены разогретыми восковыми красками (техника энкаустики). Изначально под головой мумии лежала табличка с именем/возрастом/родом деятельности покойного. Но они не сохранились, и мы не знаем, кто были люди, изображенные на портретах. Названия большинства портретов условны, основываются на хар-ре изображения. Погребальные портреты. Фаюмские портреты заменяли традиционные маски.

На портретах изображены египтяне, сирийцы, греки и римляне, жившие в Египте в 1-3вв.Египетские каноны изображения соединились в этом типе портрета с римским интересом к изучению природы человека. Ранние фаюмские портреты отличаются документальной точностью, естественными красками. В качестве символа посмертной славы на некоторых использовался золотой фон, а голову умершего украшал лавровый венок-наиболее реалистичны. Все ранние портреты выполнялись на небольших деревянных дощечках.

Работа над портретом: всю доску покрывали ровным слоем воска, на него наносили краску для фона, затем намечали контуры лица, фигуры. После этого приступали к написанию лица (использовали кисти, иногда проводили черты просто руками). На область щек, подбородка, носа краска накладывалась плотными слоями, остальная часть писалась более жидкими красками. Изображение обжигалось, вплавлялось в воск. Затем повторно наносились краски фона.

Эпоха Возрождения.

Перелом в портретном искусстве, которое снова вышло на видные позиции, наступил в эпоху Ренессанса. Он был связан с изменением идеологии эпохи. Ренессансный человек был полон гуманистического реализма, то есть он ослабил путы религии и уверовал в силу личности, стал считать себя мерой всех вещей — и поэтому он вышел на первый план в искусстве.

Портрет в эпоху Возрождения стал первым самостоятельным живописным жанром. Появившись во второй четверти 15 века, он быстро завоевал популярность. Главной задачей портрета того времени было запечатлеть и увековечить выдающегося современника: изображали уже не благочестивых донаторов, но свободных личностей, одаренных, способных на решительные поступки. Новая идеология требовала новой структуры портрета. Портретисты Ренессанса во многом идеализировали модель, но при этом непременно старались постигнуть её сущность. «Изображая своего героя в определённой земной среде, художник свободно располагал модель в пространстве. И модель всё чаще выступала не на условном, ирреальном фоне, как это было в искусстве Средневековья, а в единстве с реалистически трактованными интерьером или пейзажем, часто — в непосредственном живом общении с вымышленными (мифологическими и евангельскими) персонажами. В монументальных росписях среди других персонажей художник также нередко изображает себя». В портретах эпохи Возрождения доминировали погрудные изображения-сначала в профиль, затем в три четверти и фас. Используемый в качестве фона пейзаж был написан с высокой точки, как бы лежал у ног героя. Чаще всего писали масляными красками.

Творцы: Ян ван Эйк, Альбрехт Дюрер, Ганс гольбейн Младший, Франчкска, Ботичелли, Рафаэль, Да Винчи, Тициан.

Внимание уделяется внутреннему миру портретируемого, его сущности.

Дюрер был одним из основоположников искусства возрождения в Германии. Портреты его отличает пристальное внимание к неповторимой индивидуальности модели. Автопортретам мастер уделял особое внимание, что для того времени было скорее необычным явлением.

Автопортрет.1500.Изображение соответствует представлению человека об идеальной личности. Красивое лицо, правильные черты, ясный прямой взгляд на зрителя. В этом портрете нет символики и театральности. (Но портрет Христологичен по восприятию).

Рубеж 16-17веков. Микелянджело Меризи де Караваджо.

«Вакх»

Караваджо жил на рубеже веков, он задал многие тенденции, которые будут еще долго существовать в портретном жанре: полумифологические портреты, введение натюрморта в портрет (17 век-безусловно, век натюрморта: потрясающе четко и ярко выписан виноград, листья венка, тонкая игра света и теней на фруктах в корзине. Прозрачность и чистота стекла бокала с вином, блики и матовость). В этом полотне видны и другие его «художественные реформы»: «караваджистский свет», исходящий как бы из точного источника, уже не выглядит монтажным и искусственным (этот свет будет заимствован и использован такими мастерами, как Веласкес, Рембрандт, Эль Греко). Специфика 1го плана, открытие его действий, приближение его к зрителю. Видно и мастерство в раскрытии перспективных разворотов, владение умением грамотно расположить тело в пространстве.

17 век. Голландия. Франц Хальс.

Обратился к более мелким персонажам, в его портретах нет возвышенности. Изображение сводится к одному месту, высказыванию. Художник стремился поймать сиюминутное состояние, будто бы модель снята на фото. Подобному впечатлению способствовал и характерный для Хальса «скоростной мазок».

«Веселый Бражник»1626/27.

Нейтральный фон не отвлекает зрителя от созерцания лица модели. В картине нет пафоса, драматизма. стремления приукрасить портретируемого. Хальс реалистично пишет и пьяный блеск глаз, и раскрасневшиеся щеки, и припухшие веки бражника. От полотна идет почти физическое ощущение кабака, потрясающая живость и характерность изображения.

19 век.

Свойственен интерес к социальной характеристике модели, попытки раскрыть его этику, достоинство, проникнуть в психологию, но в то же время и схватит сиюминутное ощущение, впечатление, захватить образ. Импрессионизм. Пьер Огюст Ренуар «Портрет Жанны Самари». 1877.

Портрет Жанны Самари, хранящийся в Пушкинском музее, является вторым из трёх (Ренуар написал три портрета актрисы). Он считается одним из наиболее импрессионистических портретов во всём творчестве художника. Жанна, одновременно улыбающаяся и задумчивая, изображена в изысканном зелёно-голубом платье на розовом фоне. Актриса опирается подбородком на левую руку, запястье которой обрамлено браслетом. Её рыжеватые волосы чуть разлетаются в разные стороны. В этом портрете Ренуар сумел подчеркнуть лучшие черты своей модели: красоту, грацию, живой ум, открытый и непринуждённый взгляд, лучезарную улыбку. Основные цвета, составляющие колорит картины, — оттенки розового и зелёного. Стиль работы художника очень свободный, местами до небрежности, однако это создаёт атмосферу необычайной свежести, душевной ясности и безмятежности.

Пейзаж в живописи.

Пейзаж (фр. Paysage, от pays — страна, местность) — жанр изобразительного искусства (или отдельные произведения этого жанра), в котором основным предметом изображения является дикая или в той или иной степени преображённая человеком природа^.

В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный — ведута), и индустриальный пейзаж. Особую область составляет изображение морской стихии — марина. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический и эпический характер.

Пейзаж имеет достаточно глубокие исторические корни в живописи, но чаще всего он был представлен все же фрагментарно, в качестве фона портрета, части исторического полотна, элементы пейзажа встречались в произведениях на религиозные и другие темы, то есть пейзаж долгое время не был самостоятельным жанром.

Хотя элементы пейзажа встречаются в картинах мастеров итальянского Возрождения, как, например, Да Винчи или Джорджоне, впервые в европейской живописи почти чисто пейзажные композиции появились в работах мастеров нидерландского Возрождения середины XVI века, в первую очередь Иоахима Патинира и Херри мет де Блесс. Эти художники природу сделали главным компонентом изображения в композициях на религиозные сюжеты.

Иоахим Патинир «Переправа в преисподнюю»1515-1524

Эти художники малоизвестны.

17век.Расцвет пейзажа как самостоятельного жанра.

В 10х годах 17 века в Нидерландах, в Харлеме сформировалась школа пейзажа. Художники этой школы писали не захватывающие панорамы, а скромные уголки сельской местности-лощины, одинокие деревья и т.д. Значительную часть живописного пространства занимает небо-обычно низкое, неяркое, с несущимися, клубящимися облаками, сквозь которые иногда пробивается скупой солнечный свет.

Ян ван Гойен. «Пейзаж с дубом»

Во второй половине 17в. величественные панорамы вновь вытеснили с полотен скромный пейзаж. Выдающимся мастером этого времени был Якоб ван Рейсдал. Мастер стремился запечатлеть переходные состояния в природе: приближение грозы, радугу, оттепель.

Картина «Еврейское кладбище» (1665-1670) принадлежит к позднему творчеству художника, когда больной мастер не покидал города и писал сельскую природу по памяти. Еврейское кладбище близ Амстердама. Странно выглядящие под северным небом гробницы, тема переменчивости судеб людей и народов. Его произведение-аллегория человеческой жизни: почти все имеет скрытый смысл: ручей=быстротекущее время, руины, гробницы и сломленное дерево=смерть, радуга=надежда.

Итальянский городской пейзаж 18века.

Большинство итальянских художников-пейзажистов работали в жанре ведуты-городского архитектурного пейзажа.

Венецианец Канолетто (Джованни Антонио Каналь). Его произведения-развернутые панорамные виды Венеции, в которых мастер тщательно передает все природные и архитектурные красоты города. Как правило, он писал центральную часть Венеции-площадь Сан Марко с собором, Большой канал. Город словно омывают потоки золотого света, пронизанного солнечным светом воздуха. В пейзаж художник включал красочные сцены регаты, торжественные шествия, прогулки нарядных венецианцев. Главное для Каналетто-ощущение жизни родного города как вечного праздника.

Каналетто. «Дворец дожей и площадь Сан-Марко» 1723.

19век.Англия.Уильям Тернер.

Часто обращался к акварели, писал быстро, мог «наливать краску на бумагу, а потом скрести по ней, потирать ее, и из хаоса рождались детали». Поздние работы художника написаны легкими, прозрачными мазками, он предпочитал светлые краски, любил белила, оттенки желтого и коричневого, никогда не использовал чистых зеленого и черного.

Достижения технического прогресса казались художнику поэтичными и волнующими, а действия людей-отвратительными и жестокими.

Уильям Тернер «Дождь, пар и скорость».

Навстречу зрителю из глубины пространства, наполненного паром и дымом, по мосту над Темзой несется поезд. Его контуры расплывчаты, детали сливаются в общее коричневое пятно, создавая ощущение быстрого движения.

19 век, вторая половина. Импрессионизм.

Художественное направление, возникшее во Франции. Работа на плэнере. Чистые краски, отсутствие смешанных цветов. Оптические приемы.

Клод Моне «Лягушатник» 1869.

Изображение островка Иль-де-ла-Шоссе на Сене, излюбленного места для прогулок и купания парижан, прозванного «лягушатником». Художник наблюдает типичную жанровую сценку, но внимание сосредоточено не на действии, не на персонажах, а на игре солнечного света, пронизывающего все на полотне и связывающего воедино воду, воздух, людей, деревья.

Натюроморт.

Бытовой жанр.

Посвящен повседневной частной и общественной жизни, отображение жизни народа и окружающей его действительности. Поскольку эта действительность очень важна для окончательной передачи смысла, то большое значение имеет взаимодействие персонажа с. Интерьер должен в полной мере отражать ситуации, но при этом не контрастировать с персонажей, не привлекать к себе большинство внимания. Необходимо гармоничное сочетание этих двух частей. Другой проблемой художника становится построение композиции — естественное изображение человека в обычной ситуации.

Изначально начал обособляться в 16 веке, в Нидерландах.

Питер Брейгель Старший. «Крестьянская свадьба» 1567

Многофигурная композиция, которая лишь условно концентрирует наше внимание на главной паре героев. Одна из задач — показать быт и жизнь простых крестьян. Картина насыщена подробностями: слева человек наполняет кувшин с вином, на снятой с петель двери несут к столу лепешки, волынщик жадно засмотрелся на угощение. Все крестьяне изображены Брейгелем со всей их грубоватую приземленность. Каждый из героев имеет собственную историю, основан на наблюдениях за реальностью. Достаточно тонкая манера письма, характерная для северных стран, не очень большое внимание обращается на светотеневую моделировку.

Особенности крестьянского, буржуазного, аристократического жанров. Влияние не только нидерландской школы, но и караваджизма с сильными контрастами света и тени + французские галантные сцены (Ватто и Фрагонар).

Вермеер. Молочница. 1658-1660.

Поднимается тема повседневного быта, очень простая композиция, концентрация на конкретном персонаже. Фигура девушки выделяется на фоне белой стены, очень четкий контур. Тончайшая игра разума и чувств, души и плоти. Простота, сила и прямолинейность. Идеалом жизни становится тихое и мирное существование, почти не звучит тема бренности бытия. Осознанно избегает все неопределенного. Тонко проработанная по колориты, чистые цвета фартука, скатерти и т. п., у которых даже тени цветные. Очень тонкая манера письма, создающая плавные переходы, мастерская передача разных факту: зернистость хлебцев, прутья корзины, густое, льющееся молоко.

Хогарт. Брачный контракт. 1743-1745. Одна из шести картин цикла «Модный брак».

Появление карикатурности и высмеивания пороков высшего общества — браков по расчету. На картине изображено подписание брачного контракта. Примечательным можно назвать то, что супруги даже не смотрят друг на друга: жених любуется на себя в зеркале, а невеста заигрывает с другим молодым человеком. Тщательно проработаны все персонажи и продуман интерьер. Теплый колорит, тонкая манера письма.

Густав Курбе, Похороны в Оране, 1849-1850.

Внимание на самом процессе, богатая коллекция образов. Суровый быт крестьян. На фоне мрачного пейзаже стоит группа людей с беспристрастными и скучными лицами, равнодушные ко всему могильщики. Отражение скудности провинциальной жизни. Одно из главных выразительных средств — цвет, сочетание черного и белого. Многофигурная композиция, ощущение толпы. Волнообразное движение силуэтов → нагнетание обстановки.

Репин, «Не ждали»

Главное — психология действующих лиц в чистом виде. Типичная интеллигентная семья. Проблема взаимодействия частной и общественной жизни. Тщательная подборка каждого из персонажей, в том числе второстепенных: мимика, позы, пластика тел. Композиция — схваченная на лету сцена, все переживания смутны и неопределенны, весь взгляд устремлен на входящего человека, который к тому же выделяется в темной шинели на светлом фоне. Картина как бы обрывается с правой стороны, что добавляет ощущения выхваченного кадра. Непрерывное ощущение ожидания, мягкий свет, прописанный интерьер. Светлый колорит — смягчение драматической ситуации. Свободная манера письма.

58.Алтарная картина и историческая картина.

Этимологически слово «retable» (tabula de retto) обозначает простой уступ, расположенный за престолом и предназначенный для предметов литургии (канделябры, табернакль, кресты). Из этой изначальной формы в эпоху раннего христианства появилась алтарная картина. Утилитарная функция алтаря вскоре уступила место изобразительной функции — изображение божественного присутствия или святых, — которая вскоре получила широкое распространение. Таким образом, алтарная картина — это престольный изобразительный ансамбль. Самый простой алтарь имеет вид прямоугольного панно. Такие алтари существовали в Италии еще в романскую эпоху и были написаны неизвестными мастерами.

В готическую эпоху, особенно начиная с XIV века, алтарная картина претерпевает большие изменения — она принимает формы стрельчатой архитектуры, иногда еще просто прямоугольной, но увенчанной «аркой в форме митры». Уже тогда появляются боковые створки, окружающие центральную картину. Так возник полиптих.

Полиптих (от греческого «poly» — много, и «ptychos» — складной) состоит из нескольких подвижных или неподвижных створок. Диптихом называют полиптих состоящий из двух створок, триптихом — из трех. Подвижные створки, закрывающие центральное панно, бывают, как правило, расписаны с двух сторон, одна из которых иногда расписывается в технике гризайль. Слово «пределла» (от ломбардского preti — скамья, или доска) обозначало сначала постамент, на котором стоит алтарь, а потом нижнюю часть самого алтаря.

Обычно роспись пределлы не зависит от изображения на самом алтаре, но иногда является частью нижнего регистра центрального панно. В XV веке над верхней частью некоторых алтарей делали выступающий элемент — балдахин. В XIV и XV веках форма алтарей варьируется в зависимости от архитектуры, которой она стремится подражать. Фронтон может быть разорванным, или принимать форму митры, центральное панно часто увенчивается люнетом, по бокам располагаются пинакли, а медальоны разных форм (трилистники, четырехлистники) с изображением святых и ангелов украшают тимпаны стрельчатых фронтонов.

В Италии в центральной части алтаря, как правило, изображается Мадонна или святой покровитель, а на створках — различны святые, сцены из жизни, которых помещены в нижней части (например, «Маэста» Дуччо, XIV век). В живописи северного Возрождения, в Нидерландах и германских странах, начиная с XIV века алтари состояли из множества подвижных створок, что давало возможность многочисленных комбинаций (одним из лучших примеров является Гентский алтарь Яна ван Эйка, законченный в 1432 году).

* Дуччо. «Маэста» Алтарная картина с пределлой. 1308-11гг

* Ян ван Эйк. Гентский алтарь 1422-32гг..

Широко распространенный в Каталонии в романскую эпоху, этот тип алтаря будет популярным в XIV—XV веках, когда появятся многочисленные шедевры, нередко значительных размеров, достигающих размеров апсиды (ретабло). В Германии шедевр Грюневальда — Изенгеймский алтарь — трактован еще в готических формах.

* Маттиас Грюневальд. Изенгеймский алтарь.1512-16гг.

В эпоху Возрождения структура алтаря сильно изменяется, что связано с открытием прямой перспективы, с новыми архитектурными формами, отмеченными возвратом к античности (например, монументальный полиптих Мантеньи для церкви Сан Дзено в Вероне, 1459 г.). С этого момента до конца XV века продолжался блестящий период в истории алтарной картины. В Венеции этот расцвет связан с творчеством Беллини, в Ферраре — Козимо Тура, в Борго Сан Сеполькро — Пьеро делла Франческа, в Ломбардии — Фоппа. В XVI веке форма алтарей упрощается и тяготеет к простому панно, написанному не только на дереве, но и на холсте. В это время появляются шедевры Рафаэля, Тициана, Андреа дель Сарто.

В XVII веке схема почти не меняется, алтарные картины Рубенса, Пуссена, Караваджо, братьев Карраччи, Гверчино, Сурбарана, и Кано остаются верны готическому типу алтаря, с расположенными друг над другом регистрами. В XVIII веке расцвет больших барочных алтарей еще продолжается; в концепции алтаря новое значение приобретает архитектура, которая подчас оказывается важнее живописи. Тьеполо в Венеции, Роттмайр и Маульперч в Австрии, Хольпер в Германии считаются выдающимися художниками своего времени, работавшими в этом жанре. В XIX веке наступает закат алтарной картины, как и религиозной живописи вообще, что было связано с изменениями в католической литургии. Однако в XX веке некоторые художники вернулись к форматам (Ротко) и монументальным формам (Бекман, Бэкон, Сулаж) алтарных картин.

Историческая картина.

* Андреа Мантенья –Триумф Цезаря, IX – Юлий Цезарь на своей триумфальной колеснице(1484–92)

С эпохи Возрождения в трактовке исторических тем сказываются великие реалистические завоевания этого времени, происходит отделение исторической темы от религ. легенд. Таковы, напр., иллюстрации к ист. соч. и хроникам франц. миниатюристов 15 в. Жана Фуке и Симона Мармиона. Характерно, однако, что события любой эпохи переносятся в обстановку Франции того времени. В Италии Андреа Мантенья в картонах "Триумф Цезаря" (1484-92) воспользовался первыми успехами антич. археологии, чтобы воссоздать картину рим. триумфального шествия. Основой исторических образов в искусстве Возрождения является не античный, а ренессансный идеал человека, которого энергия, воля и предприимчивость делают героем и творцом истории. Рафаэль в станцах Ватикана, особенно в фреске "Афинская школа" (1509-11), представил антич. древность как мир воплощенной мечты, идеальной общественной гармонии, красоты и всестороннего развития человека. Переосмысление античного идеала дал и Микеланджело в воображаемом "ист." портрете рим. борца за Республику Брута (ок. 1537-38).

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту: