Тема 16. Современное искусство XX века

· Художественная культура XX столетия как одна из самых сложных для исследования в истории всей мировой культуры. Социальные потрясения, мировые войны, научно-технический прогресс, широкое национально-освободительное движение, кардинальное изменение территориальных границ – факторы, повлиявшие на искусство новейшего времени. Трагический разлад в душах художников, размытость любых критериев, стремление создать свой стиль, утвердить свою манеру приводит к безграничной иронии, скептицизму, чувству опустошенности, бездуховности, подражанию и откровенному плагиату.

· Основные проблемы архитектуры XX века. Модерн как одно из первых направлений в искусстве начала двадцатого столетия. «Простор импровизации» в творчестве немецкого архитектора Г.Шаруна (Берлинская филармония, здания «Ромео» и «Джульетта»). Пластические возможности архитектурных форм, индивидуальные запросы, связь с национальной культурой как основные принципы творчества современных архитекторов.

· Сюрреализм: философия «потерянного поколения». З.Фрейд как духовный отец сюрреализма. Сальватор Дали («Предчувствие гражданской войны», «Тайная вечеря») – кульминация символического искусства. Наивысший успех сюрреалистов в Америке в 40-50-е годы: публика, уставшая от абстракционизма, устремляется к картинам, на которых хоть что-то изображено. Начало нового этапа сюрреализма Дали – католического сюрреализма (1947 г.). Эскиз картины «Мадонна порта Льигат» (1949) отсылается на утверждение Папе – очередной рекламный трюк Дали? Произведения 50-х годов не деформированы, выполнены на высоком профессиональном уровне («Христос на кресте», 1951;«Тайная вечеря», 1955; «Св. Иаков», 1957). Дали пишет картины, в которых пытается примирить религию и науку («Атомистический крест», 1952 —изображение атомного реактора и куска хлеба как символа святого причастия). В 60-е годы сюрреализм уступает позиции новой волне абстракционизма, новым направлениям авангардизма, искусству поп-арта.

· Сюрреализм и Пикассо. Ряд произведений, основанных на чудовищной деформации, искажении реального образа человека, на усилении резких цветовых контрастов («Плачущая женщина», 1937). Смысл этих поисков и обращения к разным изобразительным формам даст знать себя позже, когда личная судьба живущего в Париже и уже пользующегося европейской известностью художника сольется с судьбой его родины. 26 апреля 1937 г. маленький испанской городок Герника был сравнен с землей фашистской бомбардировкой и несколько тысяч людей были погребены под его развалинами. Событие это потрясло Пикассо, который незадолго до гибели Герники получил заказ на роспись для испанского павильона международной выставки в Париже. Панно «Герника» – главное событие международной выставки и всей художественной жизни. Вторая мировая война усилила значение этого полотна, звучащего и воспринимающегося как пророчество.

· 50—70-е годы, Пикассо работает в разных видах искусств, в разных жанрах и техниках: картины, скульптура, монументальные росписи, керамика, рисунки, иллюстрации, литографии, офорты. Везде он – экспериментатор, находит ярко индивидуальное образное решение, вызванное его уникальной способностью к постоянному самообновлению. Страстный защитник мира, он создает своего «Голубя мира» (1949) – символа борьбы человечества с войной.

· XX век дал ряд имен художников, жизнь которых как бы совпала с веком, продлилась почти целое столетие. Марк Шагал (1887-1985) – художник, родившийся в России, но проживший вне ее почти всю свою жизнь, в течении которой он оставался верен впечатлениям детства и юности, родному дореволюционному Витебску, воспоминаниям о местечковом быте, еврейскому фольклору. Скрипач, парящие над землей любовники, коровы, лошади, петухи, покосившиеся деревянные домишки витебской окраины – эти мотивы сопровождают произведения всех этапов его творческой жизни в самых разнообразных вариациях и художественных модификациях. Творчество Марка Шагала принадлежит всему миру, от России до Франции и Иерусалима (плафон для парижской Гранд-опера, роспись в Метрополитен-опера, витражи для университета в Иерусалиме, «Библейский цикл» витражей в Музее Шагала в Ницце). Принадлежал ли Шагал к какому-либо направлению? Его природа – стихия живописи, с несравненной красоты мазком, передающим горящие цвета.

· В итальянском искусстве XX столетия четко прослеживаются три этапа. Первый связан с футуризмом и длился до 1922 г.; второй — «неоклассика», прославлявшая могущество «нового Рима», – искусство периода диктатуры Муссолини; третий — в годы Сопротивления, а точнее в 1938 г., когда вокруг миланского журнала «Корриенте» («Течение») сгруппировались художники во главе с Р.Гуттузо и Д.Манцу. Очень скоро их влияние распространилось и на художников других городов. Действительность воспринимается художниками этого круга трагически, и в этом они близки экспрессионистам. Их искусство политически остро, высокогражданственно, и в этом смысле оно справедливо названо «героическим экспрессионизмом» (Р.Гуттузо «Расстрел», посвящается Гарсиа Лорке). Не случайно в годы Второй мировой войны почти все эти художники были связаны с движением Сопротивления.

· Итальянская скульптуры XX в. ищет более обобщенных форм. Глубоко гуманистично искусство замечательного итальянского скульптора Д.Манцу, художника-философа, в пластической форме разрешающего многие насущные вопросы современности. Особенность Манцу: он дает несколько решений одной и той же темы, чем достигает необычайной художественной выразительности и каждое из произведений поднимает до символа («Распятие», «Кардинал», серия «Балерина»). Этапная работа Манцу – рельефы для «Врат смерти» собора св.Петра в Риме (1949—1964). Это шесть (очень плоских, иногда почти контурных) тематических барельефов с символическими изображениями животных и растений между ними. Сюжеты символичны, но трактованы с жизненной убедительностью. Образ Папы Иоанна XXIII на одном из барельефов говорит о выдающемся мастерстве Манцу-портретиста.

· Скульптура никогда не была ведущей в английском изобразительном искусстве. Но именно Англия породила крупнейшего мастера XX столетия Г.Мура (1898—1986), творческий путь которого вмещает в себя работы самых разных направлений, от вполне реалистических (рисунки, посвященные войне) до чистых абстракций (в основном в скульптуре). Образы Мура схематичны и отвлеченны. Но его чувство объема, пластичности формы, ощущение той меры напряженности, которую он сообщает выгнутым и вогнутым плоскостям, знание материала, безупречное чувство гармонической связи с природной средой придают этим образам истинную величавость и монументальность («Мать и дитя», 1943—1944, Хэмптон-Корт, собор св. Матфея; «Лежащая фигура» для здания ЮНЕСКО в Париже, 1957—1958).

· Эпоха постмодерна (трансавангарда): поп-арт, ленд-арт, боди-арт, хэппининг, перформанс, видео-арт и другие направления концептуального искусства. Термин «поп-арт» (народное, популярное искусство, а точнее – «ширпотреб-искусство») возник в 1956 г. и принадлежит критику и хранителю Музея Гугенхейма Л.Элоуэйю. Поп-арт как реакция на беспредметное искусство, представляет собой коллажи, комбинации из бытовых вещей на холсте. Высшая точка развития этого направления – 60-е годы, венецианская биеннале 1962 г. «Изобретатели» поп-арта – Р.Раушенберг, получивший на венецианской биеннале золотую медаль, и Д.Джонс. То, что использовали художники поп-арта, такие, как Д.Розенквист, Р.Лихтенберг, Чемберлен, Ольденбург, Дайн и др., делали еще дадаисты (и не без юмора...). Французская разновидность поп-арта – «новый реализм» (А.Эрро). Близки к поп-арту «боди-арт» с демонстрацией тела самого художника в сопровождении нелепых атрибутов и «акционизм» – смесь абстракционизма, дадаизма, поп-арта в сочетании с перфомансом – целым театральным представлением (70-е годы). «Рэди-мейд» М.Дюшана как направление, отмежевывающееся и от Дюшана, от поп-арта и претендующее на самобытность – так называемое концептуальное искусство, где «концептами», «атрибутами цивилизации» именуются вполне реальные предметы.

· К середине 60-х годов поп-арт сдает свои позиции кинетическому искусству и искусству оп-арта, оптическому искусству, имевшего некоторое воздействие на художественную промышленность, прикладное искусство, рекламу. Кинетическое (кинематическое) искусство – «изобретения» с разного рода гудящими, вращающимися и прочими механизмами, композиции с магнитами. Начало ему было положено в 1931 г. в США: А.Кольбер создал конструкцию из жести и проволоки, приводимую в движение то мотором, то ветром. Успех в 50-е годы кинетическое искусство имело, в основном, в интерьере. Г.Юкер по прозвищу «кинетик гвоздей»: его произведение искусства представляло движущуюся ткань, на которую набивались гвозди. Прославленный «кинетик» – швейцарец Ж.Тингели, создатель саморазрушающихся машин, сочетающий процесс «саморазрушения» со световыми эффектами. В кинетическом искусстве и в оп-арте зритель может быть автором и соучастником, если он пускает в ход конструкцию, что-то перекладывает или даже входит внутрь «произведения». Оп-арт и кинетическое искусство существуют и поныне, как и гиперреализм (фотореализм), возникший в 70-х годах в Америке и в Европе. Использующий цветную фотографию или муляж для воспроизведения действительности, гиперреализм, по сути, является разновидностью натурализма («магический реализм», «радикальный реализм»). Отсюда уже прямой путь к китчу – квинтэссенции массовой культуры с его штампами, пошлостью, трюизмами, отсутствием чувства меры, победой мещанского вкуса.

· Вытеснения великой европейской культуры с ее духовными традициями, гуманистическими ценностями и идеалами – прагматизмом и материализмом технократического века.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту: