Инсценировка как перевод драматургического материала из одной художественно-образной системы в другую

Инсценировка это не перенос материала, а его «перевод» из одной системы художественного выражения в другую. В зависимости от вида искусств различаются не только художественные приемы или образно-знаковые системы, но и сами законы организации смыла. У литературы эти законы свои, у театра свои. В чем-то они схожи, но больше различны. Для того чтобы инсценировать то или иное произведение необходимо знать законы одного (литературного) и другого (театрального) вида искусств. Также необходимо помнить, что текст при переносе на сцену теряет свою «литературность» (нарративность) и приобретает «драматичность» (делается выразителем действия). Из повествователя он становиться действующим лицом. Поэтому необходимо рассмотреть основные различия в этих видах искусств (драме и литературе) и определить, что может театр и что недоступно литературе.

Этапы работы над инсценировкой

Едва ли можно предложить готовый рецепт создания инсценировки. Методов работы над ней довольно много. Каждый автор, каждый режиссер ищет свой путь, свой творческий метод переноса литературного материала или каких-то событий на сцену. Но если подходить к этой проблеме с методологических позиций, то всю работу над инсценировкой можно разделить на три этапа:

· «Перевод» событий из литературы в драму;

· «Перевод» драматургического материала в сценический;

· Создание композиции (этот пункт не является обязательным);

Исходя из этих положений, мы можем разработать метод работы над инсценировкой. Он заключается в следующем:

1. Выбор материала.

Он зависит от личной темы. На этом этапе необходимо остановиться на вопросе что хочется сделать, пусть не останавливает как, это потом решается.

2. Разбор материала подлежащего инсценированию:

- выделение событийного ряда

- фабулы

- сюжета

3. Создание каркаса инсценировки - (движение от идейно-тематического замысла к фабуле).

4. Написание сюжета (сценария):

- разработка едва намеченных тем

- усиление частных деталей

- дописывание текста к существующим сценам

- сокращение текста

5. «Перевод» литературных событий в драматические (действие):

- введение повествования (наррация, нарративные инстанции)

- перевод описания в действие

- перевод внутреннего монологаво внешний текст

- применение симультанности действия

6. Перевод драматургического материала в сценический:

- использование возможностей сцены (разноплановость, места - действия)

- применение театральных средств выражения (сценография, мизансцена, свет, музыка и т.д.)

- использование различных жанровых решений (пантомима, вокал, балет, хореография, теневой и кукольный театр и т.д.)

- демультипликацияи синкретизм персонажей

7. Композиция:

- на основе одного произведения

- по мотивам произведения

- по произведениям автора

- коллаж (использование произведений различных авторов)

принципы:

× подчинение одной идее

× иллюстрация

× контраст

ГЛАВА 3.

ДРАМА КАК НЕПРЕРЫВНО РАЗВИВАЮЩИЙСЯ ПРОЦЕСС

Драматургия - художественное мышление и отражение сложных связей человека с жизнью. Ее своеобразие заключается в том, что она предназначена для действенной реализации на сцене, а с другой стороны достаточно автономна как литературный продукт. Но сколь бы мы не говорили о драме и драматургии, их никогда не удастся отделить от театра. Теория драмы основывается на законах театрального представления, она не предмет филологии, но театрологии. Наука о драме есть часть науки о театре, сама же наука о сценическом искусстве - синтез всех профессий по различным видам искусств, постоянно пересекающихся с философией и религией. Здесь необходимо отделить понимание сущности театра от отношения к нему, как явлению человеческого бытия. Человечество за свою историю по разному относилось к театру: от крайнего неприятия до пропаганды на государственном уровне. Для простых людей театр средство отдохновения и развлечения; философ ищет в театре социально-философскую антропологию; христиане относятся к нему крайне негативно. Удивительно сколько различных (порой прямо диаметральных) отношений к одному феномену. Но театр продолжает существовать на протяжении многих тысячелетий, неизменный в своей сущности и драма как составляла, так и составляет его основу.

Этот заключительный очерк, представляет драму как непрерывно развивающийся процесс. Он очень короток, схематичен, так как мы постарались только наметить исторический процесс развития драматургических жанров, их преемственность и основные черты. Особенно важным, нам кажется, обратить внимание на то новое, что принес в историю драматургии и драму XX век: интеллектуальная драма, эпическая драма, драматургия абсурда и парадокса, документальная драма. За этот короткий отрезок времени (всего сто лет!) драматургия в несколько раз превзошла и в количественном, и качественном отношении весь предыдущий опыт. Это действительно достойно удивления.

Греческий театр

Большинство теорий о возникновении театра, и Западного в том числе, сводится к его ритуальному происхождению от древних и доисторических обрядов и религиозных церемоний потому, что фактически все ритуалы содержат театральные элементы. Различные школы, по-разному, приписывают происхождение театра древним обрядам плодородия, праздникам урожая и подобным источникам.

Первое свидетельство о возникновении драматической поэзии мы находим в «Поэтике» Аристотеля. Он утверждает, что греческая трагедия развилась от дифирамбов - хоровых гимнов в честь бога Диониса, которые не только восхваляли бога, но и часто рассказывали истории о его деяниях. Согласно легенде, Феспидбыл первым афинским трагическим поэтом. Его трагедии состояли почти сплошь из песен хора и актера: актер говорил, а хор отвечал. Поэтому данные постановки более напоминали лирические кантаты. Но когда в структуру этого действа был введен второй актер, то драма стала развиваться как самостоятельная и независимая форма. Упоминания о постановке трагедий Феспида относятся к 534 г. до Р.Х. и эту дату традиционно принимают за год рождения Европейского театра.

Греческая трагедия процветала в V в. до Р.Х. Из более чем 1000 трагедий, написанных в течение этого столетия, сохранились только 31 пьеса Эсхила, Софокла и Еврипида. Они написаны в стихах и состоят из сцен (эпизодов), в которых принимают участие не более трех персонажей, чередующихся с хоровыми песнями (одами). Истории лежащие в основе сюжета, взяты главным образом из мифов или древней истории, но не являются их простым пересказом (по отношению к ним поэты часто позволяли себе вольности). В трагедиях рассматривалось место человека и человечности (гуманности) в мире и последствия индивидуальных действий. Вообще, небольшое количество действия происходило на сцене, большинство событий и информации передавалось через диалоги хоровые песни.

Пьесы разыгрывались на праздниках в честь Диониса: Малых или Сельских Дионисиях (зимой), Великих Дионисиях в Афинах (весной) и Линеях (проводившихся зимой после Сельских Дионисий). Эти представления проходили в виде состязания драматургов. Только три поэта представляли свои тетралогии: три трагедии связанные единым сюжетом (трилогия), и одну сатирову драму (смешная, а иногда непристойная пародия на богов и их мифы). Позже, на состязаниях была представлена комедия, которая развивалась в середине V в. до Р.Х. Самой древней из существующих комедий являются комедии Аристофана. Они имеют четкую форму и структуру, юмор в них состоит из смеси сатирических нападок на современные общественные фигуры, непристойностей, шуток и пародировании богов. К IV в. до Р.Х. комедия вытеснил трагедию, став доминирующей театральной формой.

В IV-I вв. до Р.Х. греческий театр и драматургия претерпевают существенные изменения. При общем распространении греческой культуры театр тем не менее теряет свое «высокое» значение. В эту эпоху по-прежнему ставятся трагедии и комедии, но в них происходит поворот от общественно-политической тематики к ситуациям семейно-бытовых отношений. Комедию этого периода принято называть Средней и Новой (новоаттической) комедией. Эти пьесы воспроизводят современную им жизнь, их действие строиться на любовной ситуации, вокруг семейных проблем, денег и т.д. Развитие интриги в основном определяет случай, он является источником возникновения и разрешение конфликтов. Характеры при этом упрощаются, используются одни и те же социальные типы: скупой отец, ворчащая теща (свекровь), хвастун-офицер, гетера, парасит, ловкий раб. Поскольку важность актеров возросла, а роль хора уменьшился, то сцена стала выше и вторгалась на место орхестры. До нас дошла целиком только одна комедия этого периода «Брюзга» Менандра (317 г. до Р.Х.).

Римский театр

Римская Республика начала распространять свое влияние с IV в. до Р.Х. и со временем поглотила греческие территории и естественно греческую драму и театр. Хотя постановки пьес были первоначально связаны с религиозными праздниками и церемониями, их духовный характер был скоро потерян, и драма стала прежде всего, светским развлечением. Самыми популярными формами были комедия, фарс и ателланы (комические сценки). Наиболее значительный период в развитии Римской драматургии относиться ко II в. до Р.Х. и связывается с творчеством таких драматургов, как Плавти Теренций. В своем творчестве они многое заимствовали от новоаттической комедии, поэтому жанр, в котором они работали, назвался паллиата (паллий - греческий плащ). Эта драматургия широко заимствовала сюжеты из новоаттической комедии, но они обрабатывались, исходя из нравов и ситуаций римской повседневной жизни. На сцене появились такие типы как ростовщик, торговец, сводник. Действие в этих пьесах проходит динамично, все персонажи вовлекаются в интригу, при этом ведется их критика с моральных позиций. Плавт соединил в своем творчестве аттическую комедию с элементами народной римской ателланы, в частности с буффонадой, шутками, фарсом. Большое место в его пьесах отводилось пению и музыке.

Теренций почти все свои комедии заимствует у Плавта. Сюжет основывается на семейных конфликтах. Но в его пьесах нет той динамики, что у Плавта. Нет и грубых шуток, прямого обращения к публике. Теренций стремиться создать психологические персонажи, яркие жизненные образы, показать мир сложных душевных переживаний. Комедией с непосредственно национальным, римским содержанием становиться во II-I вв. до Р.Х. тогата (от «тога» - верхняя мужская одежда). Действующими лицами тогат становятся «маленькие люди» как городские так и сельские: крестьяне, сапожники, портные пекари; действие происходил обычно в италийском городке. Эти пьесы практически не сохранились, хотя в свое время высоко оценивались современниками.

Хотя Греческие и Римские трагедии исполнялись в течение этого периода, единственные и наиболее значимые из существующих трагедий I в. от Р.Х. - это трагедии Сенеки. Они были предназначены не для постановки на сцене, а для чтения, возможно потому, что интерес публики к трагедии был весьма ограничен. Его трагедии можно считать изложением своих философских взглядов в драматической форме. Сюжеты пьес основаны на греческих мифах, но имеют общую тенденцию подчеркивать сверхъестественные явления, кровавое насилие, и одержимость страстью. Форма трагедий строго выдержана: пять актов, не более трех актеров на сцене - эта структура стала весьма влиятельной в эпоху Ренессанса. Темы власти рока, пагубности страсти, ухода от общества развертываются преимущественно в песнях хора и монологах персонажей. Поэтому пьесы лишены динамичности, в них главное не действие, а словесная ткань, характеры однолинейные. Стиль речи в трагедиях сходен со стилем прозаических произведений Сенеки: короткие фразы, связанные параллелизмами, им присущ лаконизм. Не только Сенека, но весь театр Римской империи существенно снижает роль хора, делает его незначащим.

В течение II в. от Р.Х. литературный театр снизился в популярности и был заменен зрелищем и популярными развлечением (гладиаторские бои, цирковые представления, пантомимы и т.д.). Появляющаяся церковь христиан нападала на Римский театр, таким образом, способствуя окончательному упадку и дурной репутации театра и актеров, как распущенных и безнравственных.

С падением Римской Империи в классический театр прекратил свое существование на Западе. Театральная деятельность не появлялась в течение более чем 500 лет. Только народные, самодеятельные актеры - более известные как жонглеры, гистрионы, буффоны - пережили эпоху Темных веков и протянули нить театрального творчества из античности в средневековый мир.

Средневековый театр

Как ни странно театр, в форме литургической драмы, был повторно рожден в Европе в Римско-католической церкви. Поскольку церковь стремилась расширять свое влияние, то часто принимала опыт народных праздников, многие из которых имели театральные элементы. К Х в. театрализуется месса: в церкви происходит чтение в лицах Новозаветных эпизодов. Из этих диалогов и вырабатывается драматическое представление или литургическая драма. За следующие 200 лет литургическая драма медленно развивалась, являясь по существу инсценировками сюжетов Библии, написанных духовенством или церковными певчими. Сначала, устройство церкви и ее архитектурные особенности служили декорациями постановок, но со временем стали использоваться дополнительные формальные элементы: костюм, грим, реквизит и т.д. Хотя церковь вначале поощряла драму из-за дидактических качеств, но когда развлечение и зрелище стало все более и более доминирующим, церковь высказала некоторые опасения относительно дальнейшего ее развития. Постепенно приближаясь к жизни в своих постановочных эффектах, литургическая драма стала не привлекать, а отвлекать прихожан от службы. Не желая отказываться от столь популярной формы и от выгодного влияния театра на прихожан, церковные власти несколько удаляют представление драмы от церкви, вынося ее действие на паперть. Хотя она по-прежнему сохраняла религиозное содержание, но постепенно становилась все более и более светским представлением. Так родилась полулитургическая драма. Выйдя из храма на площадь, литургическая драма попала под вкус толпы и стала секуляризовываться. Дальнейшее развитие духовной драмы привело к появлению такого жанра как Мистерия.

Мистерия. Это универсальный жанр, в котором соединились Библейские сюжеты, сцены из жития святых и фарсовые (бытовые) зарисовки. Мистерии длились обычно несколько дней и приурочивались к какому- либо празднику или событию. Состояла мистерии из нескольких эпизодов (Мистерия «Ветхого завета» - 38 эпизодов) и в ее представлении принимали сотни человек. В отличие от Греческой трагедии, которая была в основном сосредоточена на развитии действия к катарсису, средневековая драма, не всегда показывала конфликт и напряженность действия. Цель была в показе пути, полного драматизма, спасения человечества. Исполнители были часто неграмотные любители, пьесы имели тенденцию быть написанными в легко запоминаемом типе стиха; драматурги неизвестны. В действии мистерий более светского характера (напр. «Мистерия об осаде Орлеана» 1429 г.) историческая точность часто игнорируется, логические причин нередко отсутствуют, результат не всегда представляется. Пьесы были заполнены анахронизмами, местными и актуальными ссылками на действительность. Постановки с одной стороны носили крайне реалистический характер. Так, например, есть сообщения об актерах, почти умирающих от слишком реалистических распятий на кресте, сцен пыток первых христиан и т.д. С другой стороны, в мистериях использовались явно условные элементы. Так, разделение Красного моря (во время исхода евреев из Египта) могло быть обозначено разделением красной ткани. Свободное смешивание реальных и символических элементов не нарушало в целом всего представление, скорее было его стилем. Несмотря на религиозное содержание мистерий, они расцениваются в значительной степени как развлечение.

Моралите. Этот жанр средневекового театрального представления возникает из мистерий, из тех ее кусков, которые служили нравоучительным и дидактическим целям. В них церковные сюжеты упрощаются и доводятся до морализации, которая становиться единственной целью моралите. В этих пьесах действуют аллегорические персонажи, они изображают определенные пороки человека, его характер, страсти, грехи и т.д. Эти персонажи со временем превратились в символические фигуры: Надежда, Вера, Злоба, Себялюбие, Послушание, Прилежание, Бедность, Кража и т.д. Сюжет развивался, как явное столкновение добра и зла и изображался в виде противоборствующих персонажей. Актеры иногда выступали как риторы, поясняющие свое отношение к тем или иным явлениям. Жанр моралите внес в средневековую драматургию структурную четкость, заявил о необходимости типизации образа.

Фарс. Само название этого жанра происходит от латинского farsa («начинка»), так часто обозначали небольшие игровые сценки бытового и комического содержания, которые вставляли в мистерии. В фарсах изображались реальные человеческие характеры. В них высмеивались различные социальные типы, бытовые ситуации. Небольшие по объему, они требовали малого количества участников и носили комический, а иногда сатирический характер.

Театр Ренессанса

Протестантское движение в северной Европе положило конец религиозной драме к середине XVI столетия и это позволило развиваться светской драматургии. Ренессанс явился попыткой перенести опыт классической драмы античности в современность. Но классические формы и методы постановки были не до конца поняты и потому классические идеи были привиты на современные методы, и новые технологии. Театр Ренессанса создал совершенно новую драматургическую и театральную форму с некоторыми классическими характеристиками. Эта форма более известна как неоклассицизм.

Театр Ренессанса возникает сначала в Италии в XVI в. Самые ранние пьесы были на латыни, но в конечном счете, они написаны в народном, нежели классическом стиле. Они ориентировались прежде всего, на римские модели, хотя драматическая теория основывалась на вновь открытой «Поэтике» Аристотеля. Эти драмы возникли не как естественное развитие от религиозных, народных или даже от существующих драматических форм. Это было вполне академическое следование классическим нормам, поэтому они испытывали недостаток некоторой жизненности, но отдельные пьесы достигали некоторого успеха (например «Мандрагора» Макиавелли).

Наиболее важной концепцией в искусстве Ренессанса было правдоподобие - изображение правды. Но это не означало рабски копировать реальный мир, а скорее устранять из него невероятное и иррациональное, при этом подчеркивая идеал, надлежащий моральный порядок и нормы этикета. Таким образом, комедия и трагедия была сильно изменена: хор был устранен, хороший герой вознаграждался, злой наказывался, характеры были изображены скорее как идеальные типы, чем как реальные индивидуумы. Наиболее существенным был закон триединства (время, места и действие) основанный на теории Аристотеля: пьеса могла иметь только единственный сюжет (интригу), действие должно укладываться в пределы суток и происходить только в одном месте. Объяснение этому было следующим: драмы не выполняющие эти требования бросают вызов правдоподобию и порядку. Приверженность таким правилам, намного более чем реакция зрителей, определяла качество пьесы и игры. Первоначально сформулированные в Италии, эти правила и идеалы стали наиболее популярными во Франции.

Сценические и архитектурные приемы постановки пьес, рожденные в то время, существуют в театральном производстве и по сегодняшний день. Архитектура театра первоначально повторяла римскую сцену, но вскоре театральные представления стали происходить в залах дворцов или внутренних дворах, которые были прямоугольной формы. В сценической технике наиболее важным стало открытие перспективной техники, создающей иллюзию глубины или реального места.

Commedia dell'arte

В то время как аристократию развлекала неоклассическая драма, широкая публика обращалась к commedia dell'arte, яркому и популярному театру импровизаций. Эта театральная форма существует с середины XVI века и ей характерно коллективное творчество актеров создающих спектакль путем импровизации на основе некоторого сюжета и определенных режиссерских указаний. За основу берется некий сюжет (придуманный или заимствованный) на его основе разрабатывается сценарий. Несмотря на разнообразие сценических форм, в целом драматургия этого театра имеет довольно устойчивые очертания: типичная фабула о влюбленных, которым мешает что-то соединиться или быть вместе; переодевания; сцены узнавания в финале; интриги и плутни слуг и т.д. Оперирование этим небольшим набором драматических положений порождает бесконечные хитросплетения интриги. Персонажи представляют собой определенные типы Комические старики (Панталоне, Доктор), Капитан, слуги, влюбленные и т.д. Они используются во всех пьесах комедии дель арте, исполняют их определенные актеры, за которыми закрепляются эти типы как амплуа. Действие в основном построено на пластическом мастерстве, искусстве длинных речей, хореографии. Задача исполнителя состоит не столько в создании психологически точного характера, сколько в его типизации и импровизации его существования.

Комедия дель арте оказала свое влияние на творчество таких драматургов как Шекспир, Мольер, Лопе де Вега.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту: