Сделай Сам Свою Работу на 5

Влияние зародившегося драматического театра и элементарно зародившегося музыкального театра.





Русский танцевальный фольклор.

История развития русского фольклорного танца неразрывно связана с историей народа и несет на себе отпечаток национального характера и условия его жизни. В VI веке новой эры появляются первые письменные упоминания о славянах. Древляне, Поляне, Тиверцы, Северяне… Славяне были язычниками, вели оседлый образ жизни, занимались земледелием. Главный бог – Ярило, бог солнца, бог молнии и грома – Перун, богиня любви – Лада. Все праздники были связаны с календарным циклом. Новый год начинался 1 октября, после уборки урожая следовал период свадеб. После сезона свадеб следовали святки, зимний солнцеворот, далее следовал цикл весенних праздников – масленица, сжигание зимы, культ огня и плодородия, закликание весны. В Апреле радуницкие недели, посвященные предкам. Далее следовал цикл праздников, связанных с посевными работами, семик – 7 неделя после новолуния, завивание березки, далее – праздник Купала, летний солнцеворот, прощание лета. И далее вплоть до осени праздников не было, все трудились и шли осенние праздники по сборке урожая. Танцы были неотъемлемой частью этих праздников, но помимо календарных праздников танцы исполнялись также и на капищах во время поклонения богам. Во время религиозных обрядов часто использовался танец, целью которого было вхождение в экстаз через ритм и движение. В 988 г. на Руси вводится христианство. Происходит слияние языческих праздников с христианскими. Элементы языческого обряда вплелись в христианские праздники. Святки совпали с рождеством, масленица предвещает сорокадневный пост, радуницкие недели совпадают с пасхой. Семик совпадает с троицей. Праздник Купала совпадает с праздником Иоанна Крестителя и становится праздником Ивана Купала. Языческие обряды начинают распадаться, превращаться в игрища и средства развлечения. Православная церковь пытается с ними бороться, но совершенно безуспешно. До XVII века игрища – это основная сфера общественного развлечения. Труд и праздники – вот из чего состояла жизнь простого русского человека. И все искусство было связано с праздниками.



 

Формы русского танца (см. композиция).



Русский народный танец отличало от европейского танца большая степень импровизационности. Так, например, массовый пляс – это русской явление. Именно во время массового пляса и перепляса происходило развитие виртуозности русского танца, что в значительной степени отличает его от европейских. Русский народный танец был непосредственно связан с песней, которая сообщила русскому танцу большую смысловую и эмоциональную содержательность, певучую и мягкую пластику движений, что в дальнейшем отразилось на манере исполнения танцовщиков русского балетного театра.

 

Андрей Котарковский фильм «Андрей Рублев»

 

1. Творчество Скоморохов. Первыми профессиональными актерами на Руси были скоморохи. Первые упоминания о них относятся к IX веку новой эры. И вплоть до XVII века скоморохи были единственными представителями театрального искусства на Руси. Этот период можно назвать Эпохой Скоморохов. Скомарх – в переводе с греческого означает смех. Их искусство было синтетическим, они играли на музыкальных инструментах, пели, плясали. На Руси такая универсальность считалась даром богов, скоморохов считали отмеченными богами людьми и в эпоху христианства некоторые из них даже были причислены к лику святых. Фрески с изображениями скоморохов помещены в придворе софийского собора в Киеве и относятся к XI веку. Если по началу искусство скоморохов носило синтетический характер, то потом скоморохи стали специализироваться. Появились Бахари и Сказители – рассказывают былины, сказки, Музыканты и гудОшники, медвежатники, певцы, плясуны, глумотворцы, кукольная комедия. Скоморохи объединялись в ватаги и давали на площадях позорища (от слова зрелища). Во времена Киевской Руси скоморошество достигает расцвета. Скоморохи присутствуют на пирах великих князей и их танцевальное искусство отличается большим мастерством. Сохранился ряд пословиц, по которым можно судить о мастерстве скоморохов: «Не учи меня плясать, я и сам скоморох», «Всяк спляшет, да не всяк как скоморох»… Помимо скоморохов-плясунов появляются женщины-плясицы, жены скоморохов. Искусство скоморохов включало в себя мотивы старинной русской народной пляски. Основные выразительные средства: разнообразные присядки, дроби, акробатические элементы, энергичные движения, требующие большой ловкости и сноровки. В целом, русский танец во времена Киевской Руси достиг большого расцвета. Танцевали лучше, чем в Европе, но нашествие Монголо-татар затормозило развитие русской культуры и отбросило ее на 200 лет назад. Однако, скоморохи в период татаро-монгольского нашествия не погибли, они откочевали на север (Новгород). И именно благодаря скоморохам сохранилась традиция народной пляски и в дальнейшем возродилась в русском танце.



 

 

С середины XVI века скоморохи стали желанными участниками забав при дворе московских царей. В 1571 г. был объявлен набор веселых людей для обслуживания двора Ивана IV. Среди других в потешной палате состоял канатный плясун Иван Лодыгин, он обучал танцам 5-х своих учеников и получал за это жалование. Иван Лодыгин первый в истории учитель русских танцев. XVI век значим в истории русского скоморошества тем, что скоморохи, путешествуя по Руси, вернули в народ традиции русской народной пляски, местами утраченные после монголо-татарского нашествия. В своих путешествиях скоморохи доходили даже до Италии. Помимо бродячих скоморохов существовали оседлые скоморохи, которые жили при дворах князей и бояр. Однако, XVI век был не столько благоприятным для скоморохов. И если в XI веке изображения скоморохов были помещены в росписях Софийского собора в Киеве, то в XVI веке церковь осуждала, все песни и пляски как занятия греховные, христианам не подобающие. Настоятели писали жалобы с описанием нечестивых игрищ, проводимых на полянах во всех городах. Игрища подвергались гонениям, потому что они сохраняли верность языческой традиции. В XVI веке выходит свод правил русской жизни под названием «Домострой», в котором в частности запрещалось танцевать самому, но и смотреть и слушать скоморохов было делом богопротивным. Согласно Домострою русский дом разделялся на мужскую и женскую половину, женщина не могла присутствовать на праздниках и приемах гостей. Таким образом, верхушка русского общества перестала танцевать вообще. Единственный царь, которые пошел против уложений церковных соборов(собраний) – Иван IV, Имел при дворе скоморохов, всячески им потворствовал, за что неоднократно получал нарекания от митрополита Кулычева, за что тот и поплатился. В 1648 году патриарх Никон издает строжайший запрет на скоморохов после народных волнений на Урале, зачинщиками которых стали скоморохи.

 

Исторические причины гибели скоморох:

1. Народно-революционные мотивы их искусства.

2. Преданность славянской языческой традиции.

3. Закономерности исторического развития России. Этот этап развития культуры оказался пройден, достигнут новый уровень и скоморохи, остановившиеся в развитии из-за постоянных преследований, уже не могли удовлетворить запросы зрителя. Но в свое время скоморохи сыграли огромную роль, сохранив и развив черты народной песенно-плясовой культуры.

 

Влияние зародившегося драматического театра и элементарно зародившегося музыкального театра.

Наряду с искусством скоморохов в России существовал народный профессиональный самодеятельный театр. Не смотря на отрицательное отношение к нему духовных и светских властей, он намного пережил скоморошество и существовал в различных проявлениях вплоть до конца XIX века. В народном театре были входу размашистый жест, громкое пение, народная пляска. К народным театральным представлениям относятся народные комедии, интермедии, кукольная комедия и разыгрывающийся на святках вертеп. Пляска входила во многие виды этих народных спектаклей. Много плясали куклы русской народной комедии. Любимым героем кукольной комедии был Петрушка. Часто Петрушку изображал человек в штанишках в ромбиках и юбочке, разрисованной куклами. Петрушка изображался простаком, недотепой, он часто скандалил со своей женой, Марфой Петровной. Он вступал в конфликт со всем миром, но побеждает всех, и полицию, и попов, и даже черта и смерть. Как писал Максим Горький: «в грубом и наивном образе народ воплощал сам себя и веру в то, что, в конце концов, преодолеет все и всех.

 

 

1. Влияние гастролей западноевропейских балетных труп.

Относится к XVIII веку, когда в результате реформ Петра I в Россию стали приезжать европейские труппы и давать балетные спектакли. Гастрольные традиции того времени приезжали только солисты, кордебалет набирали на месте, наскоро обучали и выводили на сцену. Такое знакомство с танцевальной культурой Европы показало, что русские исключительно одарены к танцам. Они быстро усваивают движения и помимо всего прочего еще и вкладывают в них новое содержание.

 

Факты истории русского народного танца показывают, что он существовал в самых разнообразных проявлениях. В языческие времена танец был необходимой принадлежностью религиозных культовых обрядов. В эпоху русского средневековья представления скоморохов включали в себя пляску как одну из главных составных частей. Без танцев не обходились домашние и общественные праздники. В профессиональном и самодеятельном народном театре танец всегда занимал видное место. Русский танец был непосредственно связан с песней, и связь с песней сообщила ему большую смысловую и эмоциональную наполненность, певучую и мягкую пластику движений и в дальнейшем отразилась на манере исполнения танцовщиков русского балета. Падая на столь благодарную почву, западный танец видоизменяется и рождается та его разновидность, которая называется «русской балетной школой».

 

Появление театрального танца в России.

Литература.

Вера Крассовская Русский балетный театр от возникновения до сер XIX века. Стр. 27-37.

Юрий Бахрушин «История русского балета» стр. 17-23.

План.

• Первые русские балеты в России.

• Петровские ассамблеи.

• Начало балетного образования в России.

 

1. Первые балеты в России. В XVII веке в России были предприняты первые попытки создать балетный театр. В этот период еще интенсивнее, чем прежде в России протекал процесс экономического, политического и культурного развития. Россия расширила свои территории и превратилась в могучую интернациональную державу. Расширялись международные отношения России с зарубежными государствами. Русские дипломаты, купцы и просто вольные путешественники в своих заграничных поездках знакомятся с состоянием театрального дела на западе. В 1672 г. по инициативе боярина Артамона Матвеева жители немецкой слободы Иоганном Грегори был организован кремлевский театр, которые располагался в потешном дворце. В репертуар театра входили драматические пьесы иностранных авторов. И вот царь, Алексей Михайлович, узнает от послов, что западные правители устраивают при своих дворах игры, танцы и другие забавы, и таким образом проводят свободное время и приказывает своим подданным за 7 дней поставить балет. 8 февраля 1673 года в подмосковном селе Преображенском для царя Алексей Михайловича, членов его семьи и придворных был поставлен первый балет на русской сцене под названием «Орфей и Эвридика». Первоначально при подготовке балета царь был против использования музыки как дела богопротивного, но ему сказали, что без музыки танцевать нельзя, и царь согласился. Был создан деревянный помост. В зале сидел один царь. Царица и дети наблюдали через щели дощатой ложи, устроенной здесь же. Придворных в зал не пустили, они наблюдали за действием из-за кулис, находясь прямо на сцене. Балет начинался с того, что Орфей пел арию, прославляющую царя и его добродетели. В постановке балета был использован сюжет древнегреческого мифа о певце Орфее. Партитура не сохранилась. В ходе спектакля Орфей танцевал своеобразные падетруа с двумя пирамидами – это были особые колесницы, которые перемещались. Также были выходы персонажей: великанов, деревьев, скалы и камни, фонтаны. И пение Орфея заставляло двигаться все эти предметы. В балете помимо танца и пантомимы присутствовали слово и пение. Только к концу XVIII века балеты перестали сопровождаться речью, но еще в XIX веке сохранялись плакаты, которые вывешивались по обеим сторонам сцены, объясняющие действие. Актеры, исполняющие балет были русские, но обучены иностранцем пастором Иоганном Грегори. Сохранилось название еще одного балета, который шел в то время: «Бахус и Венус». Однако, в 1676 г. умер царь Алексей Михайлович. На престол взошли малолетние Петр и Иван и началось смутное время и различные попытки захвата престола старшей сестрой Софьей в том числе, поэтому всякие театральные представления надолго прекратились. На развитие русского сценического танца постановка Алексей Михайловича никакого влияние не оказало, но

 

1.Балет увидела хотябы узкое окружение царя.

2.Техника балета не оказалась сложной для русских.

3.Пошатнулось костное представление русской знатности о греховности подобных зрелищ, это был необходимый подготовительный этап на пути развития русского сценического танца.

 

2. Петровские ассамблеи.

Спустя четверть века по инициативе Петра I театральные представления возобновились. Но цели царя были другие. В 1705 году Петр I открывает первый общедоступный театр, основная цель – просветить массы и подготовить к реформам. Непосредственно балетом Петр I не занимался, но годы царствования были отмечены другим явлением, очень важным в истории русского балета. В быт верхних слоев русского общества широко вошла новая для России танцевальная музыка и неизвестный до сей поры бальный танец. В 1718 году. Петр I издал указ об Ассамблеях – собраниях, которые обязано посещать все петербургское дворянство.

 

 

Указ:

Придворные обязаны поочередно устраивать у себя на дому открытые собрания, на которые без особого зова должно съезжаться петербургское общество, проводить время в беседах, игре шахматы и шашки, в танцах. Хозяин не должен встречать гостей, но должен уведомить об ассамблее объявлением на воротах дома. Должен обеспечить горницей для танцев, музыкой, сидениями, шахматами, шашками, табаком, пивом и квасом.

Ассамблеи начинались в 17 часов и заканчивались в 22. Для проведения ассамблеи назначался церемониймейстер, который руководил танцами. Как правило, ассамблеи начинались церемониальными танцами, которые длились около получаса и состояли из поклонов и реверансов, которые исполнители встав в пары в колонны, отвешивали поклоны то друг другу, то зрителям, во главе колонны стоял сам царь с царицей. Отказываться танцевать не было никакой возможности, так как царь был очень суров.

После церемониальных танцев шли более быстрые танцы, любимым танцем Петра был «гросфатер» - в переводе с немец. Дедушка. В хоровод вовлекались все присутствующие в ассамблее, часто танцы из горницы выходили во двор, и заканчивалось большой свалкой. Был случай, когда Петр I решил научить танцу старых бояр.

«Петр I» Толстой

Роль ассамблей.

1. Было покончено с разобщенностью мужской и женской половин дома.

2. Практическое знакомство с европейской танцевальной культурой подготовило к восприятию.

3. Исполнители танцев показали свои исключительные танцевальные способности, быстро овладев искусством танца.

После смерти Петра I ассамблеи превращаются в балы и становятся любимым царским развлечением.

 

 

3. Начало балетного образования в России.

В царствование императрицы Анны Иоанны бальный танец становится обязательным предметом в системе дворянского воспитания. В 1731 году в реквизированном Меньшиковском дворце. В нем открывается шляхетный кадетский корпус для подготовки чиновников на службу государства. С самого основания корпуса танцы были введены в учебную программу. В 1734 году на должность преподавателя танцев был приглашен Жан Батист Ландэ. Он был профессиональным танцовщиком и выступал на сценах Парижа и Дрездена, даже служил в Стокгольме. Обучение танцам в шляхетном корпусе он поставил так, что его ученики кадеты вскоре танцевали не хуже профессиональных исполнителей. В 1736 году он поставил 3 балета силами кадетов, которые прошли с большим успехом. В этом же году из Европы приезжает итальянская труппа под руководством композитора Арайя, где работал балетмейстером Антонио Ринальди. По традиции труппа ездила с составом только солистов, кордебалет набирали на месте и обучали. В России кордебалетом стали кадеты шляхетного корпуса. Была показана опера «Сила любви и ненависти» с балетными вставками. Видя замечательную одаренность русских к танцевальному искусству, Ландэ задумал создать специальную школу, где бы мальчики и девочки простого звания обучались хореографии, и таким образом создать балетную труппу. В сентябре 1737 года он подает на имя императрицы челобитную с проектом «ея величества школы». Он просит предоставить ему 6 мальчиков и 6 девочек для сочинения балета 12-ю персонами и обещал, что по обучению одного года начнут танцевать на театре как и помянутые кадеты, а с 2-х лет – будут танцевать всякие сорты танцевания, потом 3—й год – будут обучаться для достижения совершенства. Разрешение было получено, Ландэ дают 12 мальчиков и 12 девочек и в 1738 году состоялось открытие петербургской балетной школы. Эта дата является датой создания Академии русского балета имени Агриппины Яковлевной Вагановой.

Через 4 года ученики Ландэ доказали, что достигли совершенства. В 1742 году на престол взошла императрица Елизавета Петровна. На коронационных торжествах был показан спектакль «Россия по печали паки обрадованная». Он завершился балетом «Радость народов по поводу появления астреи на русском горизонте и восстановлении золотого времени». В тот же вечер был показан другой балет – «Золотое яблоко на пиру у богов» и «Суд Париса». Елизавета всем театральным жанрам предпочитала балет. И, соотвественно, на балет выделялись достаточно большие средства. Она выписывает из Италии танцовщика Фосано – он выступал как исполнитель комических танцев, а Ландэ был знатоком серьезного танца. Строгие формы французской школы и гротесковая виртуозность итальянского танца органично слились в русском исполнительстве. Русские очень быстро усвоили менуэт, это была основа всего бального танца. Но избежали манерности и вычурности. Виртуозность итальянской школы стала не только демонстрацией техники, но и наполнилась внутренним смыслом. Обучение всякого танцовщика начиналось с менуэта, где приобретались хорошие манеры, разучивались разнообразные поклоны, далее изучались 5 позиций ног, 5 видов шагов, которые усложнялись плие, релеве, прыжками, заносками, томбе и поворотами. Большое внимание уделялось постановке корпуса, различным поворотам головы, светской любезности, выражениям лица. В первом выпуске школы выделялись Томас Либрон, который стал правой рукой Ландэ, Афанасий Топорков, Аксиния Сергеевна Баскакова, Елизавета Зорина, Авдотья Тимофеева. В 1746 году умирает Жан Батист Ландэ, и директором школы становится Фасана. В 1758 году в Петербург приезжает австрийский балетмейстер Франц Гильфердинг. Помимо работы балетмейстером, Гильфердинг активно занялся устройством балетной школы. Гильфердинг был балетмейстером-новатором и идейная и эстетическая новизна его творчества потребовала от русских танцовщиков освоения новых технических приемов, совершенствование пластики и обогащение мимики. Далее на посту директора его сменил ученик и приемник Гильфердинга – Гаспаро Анджьолини. Анджьолини ввел в программу обучения Русский танец и Характерный танец. В начале 19 века школа попадает в ведение Шарля Дидло, и, благодаря его стараниям, появляется устав балетной школы – это первый документ, регламентирующий деятельность школы вплоть до исчисления срока службы выпускников. Москва не была столицей в то время, но считалась достаточно важным городом. Некоторые коронации проходили в Москве, необходимы были театральные представления. Но из Питера сложно было таскать все реквизиты – необходимо было создать в Москве свою балетную труппу. Видный общественный деятель Иван Бецкой организовал воспитательный дом, откуда выходят люди художественных профессий. Обучение было комплексным: танцы, пение, музицирование, изготовление декораций, реквизита, бутафорий. В 1773 году открывается специализированный балетный класс – это стало датой создания Московского хореографического училища. Первые учителя были супруги Бекари, преподавали всего один сезон, затем профессиональный танцовщик – Леопольд Парадиз. Он организовал ученый таетр, который ста давать спектакли для города. В 1780 году в Москве открывается частный общедоступный театр под руководством Медокса. Воспитательную школу прикрепляют к театру, и 25 лет школа существует при театре. В 1805 году театр сгорел, и школа попадает в ведение Петербургской дирекции императорских театров, то есть становится государственной. К моменту смерти Петра I в России не было ни одного театра. За 3 четверти века создается балетный театр, который выходит на общеевропейский уровень.

 

Типы театров в России.

• Императорский придворный театр

• Императорский общедоступный театр.

• Государственный общедоступный театр

• Частный общедоступный театр

• Крепостной театр (крепостной домашний театр, городской, сельский, крепостной общедоступный театр, то есть коммерческий, приносящий доход своему хозяину).

 

Придворный императорский театр.

В корне отличается от Европейских традиций. Сначала в придворном театре выступают приглашенные зарубежные труппы (труппа композитора Франсиска Арайя), в том же театре ставил балеты Жан Батис Ландэ. В 1783 году придворный императорский театр был реорганизован в общедоступный театр, было построено здание на берегу Клюкова канала. Эта дата является датой рождения Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Помимо Мариинского, существовали государственные театры в Москве, Киеве, и позже - в Варшаве. Помимо государственных театров, в России существовал частный общеступный театр. В 1756 году в летнем саду был открыт театр под руководством итальянца Джованни Локателли. Театр просуществовал 3 года. В этом театре ставили итальянские балетмейстеры Сакко, Канциани, Кальцеваро. В 1759 году Локателли перестроил театр под Москвой – это подкосило труппу, потому что театр существовал за городом – проблема дороги, особенно весной и осенью. Зимой в театре было холодно, а летом все разъезжались по дачам и в театр не ходили. Спектакли шли на итальянском языке, который московская публика не понимала. Локателли разорился и вынужден был уехать из России.

В 1780 году создается театр под руководством Медокса, который просуществовал 25 лет. Уже на первом этапе развития театра в России четко определилась разница в публике в Москве и Санкт-Петербурге.

 

Крепостной театр. Развился в полную силу в конце 18-го века. Всего в России существовало около 300 музыкальных театров. Каждый помещик пытался построить свое государство в государстве. Свое государство строилось по образу государства Россия. И все это было очень разнообразно. В случае самых низших слоев помещением для театра становился хлев, выгоняли скот, выметали, вешали занавески. Чем богаче был вельможа – тем больше он тратил денег на свой крепостной театр. Были и летние театры – на подобие колизеев, либо строились гроты, на островах, на прудах устраивали сценические площадки. Богатые строили свои собственные театры. Юсуповский дворец – точная копия Мариинского театра, уменьшенная раз в 50 (в Сибирском Цирюльнике).

Крепостные артисты были дорогим товаром, за одного артиста можно было обменять деревню. Артистку могли подарить соседскому помещику. Часть помещиков побогаче содержали собственную труппу, еще маленьких детей отнимали от родителей и обучали по дворянски – танец, верховая езда, фехтование, языки, вокал…

Шереметьевский театр Кусково.

 

Одиссея Гомера. Парис, падение трои

 

Западноевропейский балетный театр 18 век. Возникновение сюжетного балета.

Юрий Бахрушин История русского балетного театра 30-36 – тема возникновение сюжетного балета

Вера Крассовская – Западноевропейский балетный театр Том 2 Эпоха Новерра

Жанж Жорж Новерр – Письма о танце и балете

В 18 веке в Европе шла подготовка буржуазной революции, которая произошла во Франции в 1789 г. длилась 5 лет и закончилась поражением. В результате революции всю Европу постиг духовный кризис, идеалы рухнули и как следствие этого зарождение нового направления в жизни общества – сентиментализм, который перерастает в романтизм. В период подготовки революции господствовала эпоха рационализма. Главная роль отводилась просвещению, люди верили, что человек разумен и в его голову через разум можно вложить определенные идеи и сделать его лучше. Во Франции появляются работы Монтескье, Руссо, Дидро и писателей-Философов. В музыкальном искусстве на этот период приходится творчество Баха, Бетховена, Глюка, Рамо. В живописи – Шаден, Ватто, Грёз, Фралонар, Буше. В отличие от других веков наблюдается множественность стилей. Старые стили продолжают свое развитие, одновременно появляются новые. Стиль Классицизм приобретает новые качества и перерождается в новый классицизм (в творчестве Бетховена). Сохраняется стиль Барокко, но он утрачивает свою внутреннюю мощь и превращается в Рококо. Зарождается стиль сентиментализм, и из него в конце века вырастает романтизм. На их фоне балет продолжает традицию балетов-выходов. Лидером балета в Европе остается Франция, но, здесь балет законсервировался, есть прекрасные танцовщики, но нет новых идей и форм. Центр новаций перемещается в Лондон, Вену, Штудгард, Санкт-Петербург. Именно здесь зарождается действенный балет и происходит самоопределение балета как жанра. Если 17 век – это господство синтетического балета, где составными частями балета были слово, вокал и хореография, то в 18 веке происходит отказ от слова и разделение на оперу и балет. В балете конфликт начинает выражаться с помощью пластики. Это сложный процесс, который к концу века произошел во всех странах. Балетмейстеры, способствующие этому: Джон Уивер, Франц Гильфердинг, Гаспаро Анджьолини, Марри Салле, Жанж Жорж Новерр. Именно эти балетмейстеры привели балет к нынешнему состоянию. Жанж Жорж Новерр не был первым в этом списке, но его роль исключительна, так как он был еще и теоретиком. В 1760-м году выходит его книга о танце и балетах. Эта книга получила большое распространение не только в узком кругу. Книга обсуждалась широкой общественностью и таким образом идеи Новерра проникли не только в балетмейстерскую среду, но и в среду широкого зрителя. В письмах о танце Новерр говорит о балете как о сюжетном спектакле для театра. Впервые понимает проблему режиссуры в спектакле и о конфликте, выраженном пластикой. С этого момента кончается предыстория балета и начинается история балета.

 

 

Джон Уивер (1673-1760)

Английский балетмейстер. В Англии до Уивера были распространены балеты-маски. Это были маленькие пьески, чаще всего главный герой был Робин Гуд, либо он носил комедийный характер. Из Франции в Англию были завезены балеты выходов. И уже здесь традиции балетов-масок объединились с традицией балетов-выходов. Уивер решает отделить балет от слова. В 1711 году Ставит балет «Любовь Марса и Венеры» - первый серьезный действенный балет. Перед представлением зрителям выдавалась программка, в которой описывалось содержание постановки, а также раскрывалась система условных жестов, передающих определенные понятия, которые придумал сам Уивер. Однако не было поддержки зрительного зала. Спектакль имел весьма посредственный успех. Уивер поставил еще балет «Орфей и Эвредика». Помимо этого Джон Уивер был теоретиком. Он написал книги о проблемах ритма, о мимах и пантомиме, анатомическое искусство. Именно Уивер первый попытался проанализировать искусство хореографии с анатомической точки зрения.

 

Франц Гильфердинг (1710-1768)

Родился в Вене в потомственной семье комедиантов. Начал свою карьеру танцовщиком, потом перешел на балетмейстерскую работу. Он сознательно увлекся идеей положить драматургию в основу балетного спектакля и превратить балет в самостоятельный жанр. Период с 1740-42 г. поставил 3 действенных балета переложиние популярных французских балетов «Британник», «Альгиза» (страндия Россина), «Идоменей» по Кребийону. Но здесь он столкнулся с проблемой передачи философских размышлений писателей без помощи слова. И уже здесь он столкнулся с тем, что искусству танца проще передавать чувства и эмоции, а не логические умозаключения. Учтя эти моменты, Гильфердинг продолжил работать в этом направлении. Он исключает слово, а вокал оставляет лишь как хоровое сопровождение. Впервые в Европе он отменяет Маски. Сведения о новациях Гильфердинга дошли до России. В 1759 г. Гильфердинг прибывает в Петербург, где на 20 лет раньше, чем в Европе устанавливается эпоха действенного балета. В 1765 году к празднованию коронации императрицы Екатерины II он ставит балет «Возвращение весны или победа Флоры над Бореем» (флора – богиня весны, Борей – северный ветер), помимо этого в Петербурге были поставлены «Ацис и Галатея» и «Прибежище добродетели». Наследником традиций Гильфердинга в России становится итальянский балетмейстер Гаспаро Анджьолини, который приехал и долгое время работал в России.

 

Жан Жорж Новерр (1727-1810)

Сам Вольтер называл Новерра гением. Разрозненные новаторские искания балетмейстеров могли бы не привести к созданию балетного театра пока не нашелся человек, который обобщил положительный опыт и не подвел под нее теоретическую базу. Так Жан Жорж Новерр – первый балетный реформатор. Новерр завершает определение балета как самостоятельного театрального жанра. До Новерра в одном спектакле могло быть несколько сюжетов, а танец был итогом эмоционального состояния, возникающего в результате слова.

Главное, в 18 веке в балете – освобождение от слова!!!

После написания книги Новерра балет вошел в определенное русло и изменить развитие балета в этом направлении уже было не возможно.

 








Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту:



©2015 - 2024 stydopedia.ru Все материалы защищены законодательством РФ.