Развитие танцевального искусства от начала 20 века до наших дней.

Конец 19-го - начало 20 века отмечен разнообразием культурных и художественных явлений, стилей и направлений. Огромное влияние на мировое искусство оказывает афро-американская культура, прежде всего благодаря музыке и новым музыкальным жанрам и направлениям, таким как, джаз, блюз, регтайм. На основе новой музыки и африканских движений возникают новые танцы и танцевальные направления - «Шимми», «Блэк Боттом» , «Чарльстон», «Ту-степ»,«кейкуок» и др.

Все эти танцы объединяет легкость, непринужденность и, можно сказать, дурачество. На основе этих танцев в дальнейшем возникают новые танцевальные направления и подвиды. Например, появление некоторых видов профессионального бального танца – фокстрота, джайва и квикстепа, тесно связаны с танцами кейкуок, ту-степ, шимми (Shimmy) и Блэк Боттом (Black Bottom). Стилистика танцев начала века 20 века встречается в балете «Золотой век» Д.Шостаковича, в оперетте «Баядера» И.Кальмана и в других спектаклях..

Постепенно джазовый танец обретает театральные формы, что приводит к появлению нового стиля - бродвейского джаза. Термин бродвейский джаз происходит от названия театра, расположенного на одноименной улице Нью-Йорка. Бродвейский джаз встречается, прежде всего, в мюзиклах, а также его можно увидеть и в кинематографе, в различных шоу и драматических спектаклях.

Большое влияние на развитие бродвейского джаза оказывает хореограф и режиссер Боб Фосс. Его фильмы «Кабаре», «Милая Чарити», «Весь этот Джаз» и др., а также танцы к ним, пользуются большим успехом и сегодня. Сюжет фильма-мюзикла «Милая Чарити» был создан на основе фильма Ф.Феллини «Ночи Кабирии». Боб Фосс раскрывает характеры людей из высшего общества, которым не свойственен духовный мир - им близок мир вещей и материальных ценностей. Эта идея передается через очень точные танцевальные движения, которые раскрывают характеры персонажей.

В начале 20 века также сформировались стиль модерн и свободный танец. Первой танцовщицей, выступившей против строгих форм классического балета, была американка Айседора Дункан. Ее танцы отличались свободой, легкостью и имели элементы древнегреческих поз и жестов. Гордон Крэг, английский режиссер, писал о ней: «Что в ней было кроме этого, никому никогда не удастся определить. Она была предтечей. Что бы она ни делала, все делалось с огромной легкостью - так, по крайней мере, казалось. Именно это придавало ей видимость силы. Она выпустила танец в наш мир в твердой уверенности, что творит великое и истинное»

Свободный танец получил развитие также благодаря американской танцовщице Рут Сен Дени и ее мужу актеру и хореографу Теду Шону. Рут Сен Дени выступала в экзотических костюмах с роскошными декорациями, что делало ее концерты более зрелищными. Среди ее постановок был балет "Радха" на музыку Л.Делиба (1906), в котором были использованы мотивы индийского храмового танца. Вот как она высказывалась о танце: « Я вижу Танец, как способ общения души с душой, через выражение всего того, что очень глубоко, очень тонко для передачи словами». В 1915 Рут Сен Дени совместно со своим мужем Тедом Шоном, организовали труппу «Денишоун» и школу танца в Лос-Анджелесе. В этой школе обучались многие ведущие представители фигуры танца модерн, в том числе Марта Грэхем, Дорис Хемфри и Чарльз Вейдман.

Отличительными особенностями танца и стиля модерн является отказ от прямых, классических линий и форм в пользу более естественных, «природных», а также интерес ко всему новому. Этот стиль был популярен не только в танцах, но и в живописи, скульптуре, архитектуре и даже в дизайне одежды и интерьере. Черты модерна можно встретить в творчестве Г. Климта, А.Мухи, Л.Бакста, А.Бенуа, М.Врубеля и др. Художники модерна черпали вдохновение из искусства Японии, Древнего Египта и других древних цивилизаций.

20 век - время расцвета русского балета. Балет «русских сезонов» Дягилева произвел настоящий фурор в Париже и во всем мире. Это был не просто балет, это было уникальное соединение хореографии, музыки, декораций и мастерства танцоров. В «русских сезонах» блистали Анна Павлова, Тамара Карсавина, Вацлав Нижинский, Серж Лифарь и др. В труппе «русских сезонов» происходит расцвет творчества хореографов Михаила Фокина, Леонида Мясина и др. Новаторские костюмы и декорации создавались художниками Бенуа, Бакстом, Серовым, Пикассо, а музыку к балетам написали Игорь Стравинский, Эрик Сати, Сергей Прокофьев, Клод Дебюсси и др.

«Русские сезоны» Пикассо. Костюм к балету «Треуголка»

Коко Шанель тоже сотрудничала с труппой Дягилева - она создала костюмы для балета «Голубой экспресс». Это были классические спортивные костюмы, полосатые свитеры и гольфы, теннисные туники. Естественно, «русские сезоны» были олицетворением всего нового, модного и прогрессивного и поэтому французская публика сходила с ума от восторгов и потрясений.

Балет «Голубой экспресс» Портрет Дягилева (художник В.Серов)

Сотрудничал с Дягилевым и выдающийся хореограф 20 века Джордж Баланчин. Он поставил для русских сезонов балеты «Аполлон Мусагет» на музыку Игоря Стравинского и «Блудный сын» на музыку Сергея Прокофьева. Оба балета прошли с успехом, но вскоре Джордж Баланчин оставляет «русские сезоны» и отправляется сначала в Лондон и Копенгаген, а позже в США. Совместно с Л. Керстайном, известным деятелем искусства, Баланчин создает американскую школу балета, а затем и профессиональный коллектив, сейчас всем известный под названием New York City Ballet. Здесь он ставит свои знаменитые балеты - «Серенада» на музыку Чайковского, «Кончерто барокко» на музыку концерта для двух скрипок Баха, «Симфония до-мажор» на муз. симфонии Бизе, «Блестящее аллегро» на муз. 3-го концерта для фортепиано Чайковского, «Караколь» на муз. Моцарта, «Эпизоды» на муз. Веберна и др. Баланчин внес огромный вклад в развитие традиций классического танца в Америке. Его балеты – это соединение классической хореографии с новой эстетикой поз, рисунков танца и музыкальных акцентов. Баланчин создал новый танцевальный стиль, «неоклассику», который стал близок многим хореографам - Джерому Роббинсу, Алексею Ратманскому, Бенжамину Миллепиеду и др.

Баланчин и его труппа. Фото Дуана Мичелса

На развитие русского (советского) балета в 20 веке оказал большое влияние хореограф и режиссер Ростислав Захаров. Балеты Захарова—это завершенные драматические произведения, грамотно выстроенные с точки зрения режиссуры. Особое внимание заслуживает балет «Бахчисарайский фонтан» на музыку Асафьева, в исполнении двух легендарных балерин - Галины Улановой и Майи Плисецкой. В балете противопоставляются властность и страстность Заремы (Плисецкая) с нежностью и духовной утонченностью Марии (Уланова). Характер двух противоположностей передается не только через актерское мастерство, но и через движения и позы, задуманные хореографом, а также через волнующую музыку Асафьева.

Балет «Бахчисарайский фонтан»

Галина Уланова и Майя Плисецкая

Огромный след в истории русского балета оставил великий хореограф Юрий Григорович. Его балеты «Ромео и Джульетта», «Спартак», «Легенда о Любви» и др. составляют золотую коллекцию спектаклей Большого театра. Для балетов Григоровича характерны сила духа, масштабность, героизм, что отражается в хореографии, декорациях и музыке. Григорович сотрудничал с театральным художником Симоном Вирсаладзе, который оформил все его балеты. Больше внимание Григорович уделяет музыке. В его балетах передается не только содержание сюжета, но и содержание музыки. Он тесно сотрудничал с композиторами С.Прокофьевым, А.Мелиховым, А.Хачатуряном, Д.Шостоковичем и др. В.Ванслов отмечает удивительное единство музыки, хореографии и художественного оформления балетов Григоровича: «В спектаклях Ю.Н. Григоровича достигнут необычайно органический синтез искусств. Трудно назвать другие сценические создания, где музыка, хореография, изобразительное искусство, балетмейстерское и исполнительское мастерство оказывались бы в столь удивительном слиянии, как будто все проистекает из единого источника и вылилось у одного творца, словно на едином дыхании. Углубление синтеза искусств – пластических, сценических, любых других – это тоже одна из тенденций художественной культуры XX века».

В балетах Григоровича блистали Екатерина Максимова и Владимир Васильев, Марис Лиепа, Наталья Бессмертнова и др., которые создали новые образы и новых героев в балете. Об этом пишет В.Ванслов: «В спектаклях Григоровича раскрылся и развился новый тип танцовщика-актера, умеющего воплощать глубокое драматическое и психологическое содержание в сложной танцевальной партии. Не техническая виртуозность вне образа и не образ вне танцевальной выразительности, а органический сплав актерского творчества с развитым и богатым танцем характеризует исполнительский стиль в балетах Григоровича».

Балет «Спартак»

Эскиз декораций к балету «Иван Грозный»

Масштабностью и глубиной хореографии отличаются балеты современного российского хореографа Бориса Эйфмана. Его балеты, созданные на основе произведений Толстого, Достоевского, Чехова и др., представляют собой настоящие произведения искусства. Балеты пронизаны глубокой философией, а Эйфмана называют «хореографом-философом». Хореографические позы, придуманные Эйфманом, можно сравнивать с картинами и скульптурами великих художников, а пластика имеет свой неповторимый стиль, соединяя классическую танцевальную основу с современными направлениями. Технические способности танцовщиков поражают и восхищают ценителей балетного искусства. «Эйфман-педагог (и в этом его заслуга не меньше, чем хореографа) воспитал новый тип танцовщика-универсала, который умеет все. Танцовщики Эйфмана парят в воздухе, словно лишенные земного притяжения. Они не знают границ во владении своим телом. Им по плечу самые сложные акробатические трюки и самые немыслимые па. В танце участвуют не только руки и ноги, но все тело. Балерины Эйфмана бескостны и бесплотны: в дуэтах они обвиваются вокруг партнера, как лианы; лихо отплясывают чарльстон, как заправские танцовщицы кабаре; встают на пуанты, и, потупив очи долу, плывут по сцене так, будто кроме "Лебединого озера" ничего сроду не танцевали» - пишет Белла Езерская.

Балет «Красная Жизель». Хореограф Б.Эйфман, на фото Вера Арбузова (Фото: Нина Аловерт)

Балет «Анна Каренина»

Особое внимание Эйфман уделяет кордебалету, о чем пишет Белла Езерская: «Эйфман создал редкий по синхронности, выразительности и отточенности каждого движения кордебалет. Массовки в его спектаклях приобретают то гротесковую заостренность как, например, в сцене демонстрации революционного плебса в «Красной Жизели», то скульптурную выразительность, как в "Реквиеме" Моцарта, то классическую завершенность, как в «Чайковском». Поражает финальная сцена балета «Анна Каренина», в которой артисты точно изобразили движение поезда, с помощью хореографии, а также изысканный и утонченный вкус хореографии, костюмов и декораций, присущий балетам Эйфмана.

Что касается западного балета, там, судьбу балетного искусства решали выдающиеся хореографы: Хосе Лимон, Джон Кранко, Ролан Пети, Морис Бежар, Иржи Килиан, Джон Ноймайер и др. Все они оставили свой уникальный след в истории, достучавшись до сердец зрителей через свои постановки и создав свой неповторимый и запоминающийся стиль танца, созданный на классической основе с добавлением современной хореографии.

Особое внимание, хотелось бы уделить творчеству Иржи Килиана. В его хореографии присутствуют легкость, точность поз и рисунка и невероятная музыкальность. Как писал Рудольф Нуриев, «Есть Иржи Килиан, у которого, я сказал бы, самые „золотые“ уши. Он превращает метафоры в движения: Килиан слышит музыку и видит движения». Часто его произведения наполнены юмором, озорством и ловкостью движений. Это можно увидеть в его постановках «Шесть танцев», «Симфония в ре», «День рождения» и др. В этом есть большое преимущество хореографа, ведь юмор нужен и необходим человеку и искусству. Есть место в творчестве и детскому балету «Дитя и волшебство» и серьезному драматическому произведению «История Солдата» на сложную музыку Стравинского..

Балет «Дитя и волшебство»

«Шесть танцев»

Возникшие во второй половине 20 века концепции постмодернизма оказали большое влияние на танцевальное искусство. Главной и единственной ценностью искусства постмодерна, считается ничем не ограниченная свобода самовыражения художника, свобода мысли и творчества. Все это было свойственно и танцевальному искусству, вобравшему в себя основные принципы постмодернизма. Не имея ограничений и четких рамок, искусство постмодерна породило множество стилей и новых течений в искусстве. В танцах это контемпорари, контактная импровизация, хип-хоп танец, поп-дэнс, fly law и др.

Контемпорари дэнс связан с такими именами, как Роберт Данн, Анна Халприн, Симон Форти, Дэвид Гордон, Триша Браун, Стив Пэкстон, Дебора Хей, Люсинда Чайлдс и Мередит Монк и др. Началом постмодерна в танце следует считать деятельность Театра Церкви Джадсон (Judson Dance Theater). Театр Церкви Джадсон объединял группу танцоров-экспериментаторов, выступавших в Нью-Йорке в церкви Мемориала Джадсона в Гринвич Виллидж, в художественных галереях, музеях, начиная с 1962 г.

Новые танцевальные эксперименты были основаны на принципах импровизации и современной хореографии; на них оказали большое влияние композитор Джон Кейдж и хореограф Мерс Каннингем. Джон Кейдж увлекался дзен-буддизмом и отстаивал принцип случайности в творческом процессе.

Этот же принцип отстаивал и Мерс Каннингем, считая, что при сочинении композиций это позволяет избавиться от сюжета и стереотипных решений (хотя, на наш взгляд, отсутствие сюжета в хореографии - это упущение). Но в современном танце часто важен процесс создания танцев, а не результат.

Также, с театром Джадсон сотрудничал концептуальный художник Роберт Моррис: "Мы встречались с небольшой группой танцоров, живописцев, музыкантов, и поэтов по воскресеньям вечером и экспериментировали со звуком, светом, языком, и движением в мастерской. Это было моей первой причастностью с исследованиями, связанными с танцем. Когда я переехал в Нью-Йорк в 1961, эти занятия были все еще свежими в моем уме, поэтому открытое собрание Джадсона обратилось ко мне - хотя я не помню определенно, как и я стал сотрудничать с ними"(Р.Моррис).

Роберт Моррис, Лусинда Чайлдс, Стив Пакстон, Ивонна Райнер, Дебора Хай, Тони Холдер, Салли Гросс, Роберт Раушенберг, Юдифь Дунн и Йозеф Шлихтер.

Далее образовывались подобные группы, которые придерживались схожих принципов, такие как Grand Union, Living Theatre, Open theatre и др. Эти объединения тоже отстаивали идеи случайности, и часто процесс создания танцев был более важным, чем результат. Одним из членов группы, был Стив Пэкстон, создатель стиля контактной импровизации, идея которой лежит на спонтанном соприкосновении тел людей.

Стив Пекстон

Что касается танца хип-хоп, то он возникает в афроамериканских неблагополучных кварталах Нью-Йорка в конце 60х. Изначально хип-хоп культура и танец ориентировались на вечеринки и отдых (скретчированная музыка ямайских диджеев и речетатив), позже хип-хоп культура была проникнута агрессивно-вызывающими текстами социального рэпа, отражающего суровую действительность (гангста-рэп 90х) и постепенно просочилась в массы, отправившись в шоу-бизнес. Танец хип-хоп, соответственно, делится на old school (старая школа хип-хопа) и new style (новая школа). К старой школе относится popping, locking, breakdance, а новая школа представляет более комерческий хип-хоп с добавлением разнообразных стилей хореографии-- джаз-танец, контемпорари-дэнс, эстрадный танец и др. Для хип-хопа характерны свобода, ритмичность, обращенность движений в землю, а также расслабленность колен и качание корпуса, так называемый, «кач» Танец хип-хоп является очень популярным в наше время и его можно увидеть везде— в различных шоу, музыкальных клипах, перфомансах и т.д. Основанный на сложных трюках и акробатике, он является достаточно сложным в исполнении. Сейчас лучшими танцовщиками хип-хопа является танцевальный дуэт Les Twins, а также можно назвать французского танцовщика Дедсона и американского певца Криса Брауна.

Old-school hip-hop

Les Twins

Танцевальная культура 20 - начала 21 века чрезвычайно насыщена и разнообразна. Под влиянием новых музыкальных направлений и новых тенденций в искусстве, танец и хореография обогащались новыми стилями и направлениями. На протяжении века менялось восприятие, видение и подход к танцу и хореографии. Продолжает жить, развиваться и классический танец, обогащаясь современными движениями, сохраняя классический стиль и основу, заложенную многовековой историей. И это правильно, так как идти в ногу со временем можно и нужно, не забывая о своем прошлом.

Вывод:

Искусство хореографии многогранно и уникально. Хореография передает нам содержание и определенный смысл, заложенный танцором или хореографом, через таинственный и загадочный язык человеческого тела. Как говорила Марта Грехем, «Танец — это тайный язык души» и «тело говорит о том, о чем слова сказать не могут».

Во время исследования, мы проследили, как танец видоизменялся на протяжении многовековой истории, какие приобретал особенности и какую роль играл в жизни людей. Каждый период истории, оставил свой уникальный и неповторимый след в искусстве танца. Танец всегда объединял людей, служил способом общения людей друг с другом, а также средством самовыражения и энергетического возобновления. Балетмейстер Алла Рубина рассказывает об этом: «Танец - это самовыражение. То есть, человек выражает себя, свои мысли, свою жизнь и понимание жизни через танец . Это познание красоты, самопознание, которое происходит как и у танцующих, так и у тех кто смотрит… Когда ты танцуешь, ты накапливаешь энергию, обновляешься. Любое движение - это возобновление энергетического поля. Это чисто медицинская функция…»

Танцевальный спектакль не возможен или очень обедняется без сценографии, костюмов и музыки. На протяжении истории, танец, а позже балет был тесно связан с музыкой и изобразительным искусством. Ж.Ж.Новер определил важные составляющие балетного спектакля: «Сцена, если так можно выразиться,— это тот холст, на котором запечатлевает свои мысли балетмейстер; надлежащим подбором музыки, декораций и костюмов он сообщает картине ее колорит, ведь балетмейстер — тот же живописец». О взаимосвязи музыки и танца пишет и В.Ванслов: «Возникновение танца было бы невозможно, если бы на помощь пластике не приходила музыка. Она усиливает выразительность танцевальной пластики и дает ей эмоциональную и ритмическую основу». Все это свидетельствует о том, что хореография - это синтетический вид искусства, объединяющий несколько видов искусств.

Танцевальное искусство все время обогащается и движется вперед, впитывая в себя все основные настроения общества, а также отражая важные исторические события, социально-культурную и политическую жизнь. Мне было интересно проследить за процессом развития танца, расшифровывая его смысл и значение на протяжении истории.

Список использованной литературы:

1. Туано Арбо «О танце и музыке»

2. В. Ванслов « О музыке и балете»

3. Ю.Бахрушин «История русского балета»

4. Вера Красовская « История западного балета»

5. С. Худеков «История танца»

6. Танец «Модерн» http://www.ortodance.ru/dance/style_modern1

7. В.Ванслов "Балеты Григоровича и проблемы хореографии" http://bolshoi-theatr.com/articles/596/part-2/

8. Хип-хоп http://vsip.mgopu.ru/data/2401.htm

9. Лукиан «Трактат о танце»

10. Энциклопедия балета http://www.krugosvet.ru/

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту: