Скульптура Древней Греции эллинистического периода

Эллинизм - период, длившийся со времени смерти Александра Македонского (323 до н. э.) до окончательного установления римского господства на этих территориях, которое датируется обычно падением птолемеевского Египта (30 до н. э.). 3-1 в. до н.э.

Общей чертой искусства этих территорий в IV—I вв. до н. э. было воплощение новой идеи величия мира, объединенного на громадном пространстве эллинистической культурой. Это отразилось в героизированных образах (возврат к идеалам высокой классики), в увлечении многофигурными композициями и статуями колоссальных размеров. Например, тогда было изваяно одно из семи чудес света — Колосс Родосский — статуя бога солнца Гелиоса 30-метровой высоты. Кроме колоссальных статуй здесь культивировались многофигурные статуарные группы и огромные рельефные композиции, созданные как не мифологические, так и на исторические сюжеты.

Одновременно, для эллинизма характерно более сложное миропонимание, обостряется интерес к раскрытию внутреннего мира человека, динамики образа.

Скульптура эллинизма (3-1 вв. до н.э.) включает в свой состав художественные школы Материковой Греции с островами Эгейского архипелага, Малой Азии (главным образом, Пергамского царства), острова Родос, Сирии (западная часть государства Селевкидов) и Египта. Это те области и государства, в искусстве которых греческие традиции, получив отчасти национальную окраску, имели преобладающее значение.

Характерная черта духовной традиции эллинизма — сочетание культурных достижений Греции и древневосточных цивилизаций — дополняется настойчивой систематизацией ранее накопленных знаний.

Большое распространение получил скульптурный портрет. Сохраняя свойственный греческим художникам принцип типизации, мастера эллинистического портрета умели передавать не только черты внешнего облика, но и различные оттенки душевного состояния модели.

Популярностью пользовалась скульптура жанрового характера со склонностью к натурализации (часто, антиэстетичные образы).

Новым видом пластики стала садовая декоративная скульптура, широко применявшаяся для украшения садов и парков.

Эллинистические мастера, расширив арсенал художественных средств скульптуры, открыли возможности конкретной передачи натуры, нашли приемы показа различных эмоций, разработали новые композиционные приемы демонстрации движения в его сложных и разнообразных формах, продолжили поиски трехмерности скульптуры и построения статуи с учетом множественности точек зрения.

Эллинистическая скульптура:

«Ника Самофракийская». Статуя была поставлена на острове Самофракпя в память победы, одержанной в 306 г. до н.э. Деметрием Полиоркетом над флотом египетского правителя Птолемея. Ника, как об этом свидетельствуют монеты, была изображена трубящей в боевую трубу (сохранилась без головы и рук). Статуя стояла в специально вырубленной в скале открытой нише, размером 10х15 м, над бассейном, на постаменте, который изображал нос боевого корабля. Статуя входила в ансамбль, объединявший скульптуру, архитектуру и реальный пейзаж.

Ника Самофракийская. Мрамор. Конец 4 в. до н. э. Париж. Лувр.

Одним из лучших произведений ранней эллинистической пластики является Знаменитая статуя Ники Самофракийской. Статуя эта была поставлена на острове Самофраке в память победы, одержанной в 306 г. до н.э. Деметрием Полиоркетом над флотом египетского правителя Птолемея. К сожалению, скульптура дошла до нас сильно поврежденной - без головы и рук. Статуя была поставлена на высокой отвесной скале, на пьедестале в виде передней части боевого корабля; Ника, как об этом свидетельствуют ее воспроизведения на монетах, была изображена трубящей в боевую трубу. Греческие мастера многократно изображали богиню победы в монументальной скульптуре, однако никогда еще они не достигали такого эмоционального подъема, никогда не выражали с такой яркостью чувства победы, как в самофракийской статуе. Мощная фигура богини с распростертыми крыльями, противостоящая бурным порывам встречного ветра, ее уверенный шаг, каждое движение тела, каждая складка трепещущей от ветра ткани - все в этом образе полно ликующего чувства победы. Это победное чувство дано без какой бы то ни было выспренности и риторики - образ Ники поражает прежде всего своей огромной жизненностью. Ника Самофракийская дает пример нового пластического решения, характеризующегося более сложным пониманием движения и более дифференцированной трактовкой пластических форм. Общее движение фигуры Ники носит сложный винтообразный характер, скульптура имеет большую «глубину», достигаемую не только за счет откинутых назад крыльев, но и сильным шагом Ники и общей устремленностью ее фигуры вперед; более подробно, нежели в классической скульптуре, трактована пластическая форма (например, с изумительной тонкостью обрисованы мышцы тела, проступающие сквозь ткань прозрачного хитона). Чрезвычайно важной чертой пластического языка статуи является повышенное внимание, уделяемое художником светотени. Светотень призвана усиливать живописность формы и способствовать эмоциональной выразительности образа. Не случайно одежда играет такую большую роль в образно-пластической характеристике: без многочисленных то развевающихся, то облегающих тело и образующих богатейшую живописную игру складок одеяния передача эмоционального порыва Ники была бы менее впечатляющей. И в трактовке образа и в самой постановке монументальной статуи автор Ники выступает как продолжатель достижений Скопаса и Лисиппа, но вместе с тем в самофракийской Победе отчетливо проявляются черты эллинистической Эпохи. Искусство 4 в. до н.э. знало высокопатетические образы, однако даже самые драматические образы Скопаса сохраняли, так сказать, человеческий масштаб, в них не было преувеличения, тогда как в Самофракийской Нике проявляются черты особой грандиозности, титанизма образа. И в классическом искусстве встречались большие статуи, рассчитанные на восприятие с далеких точек зрения (например, статуя Афины Промахос на Афинском акрополе); в 4 в. до н.э. Лисипп развивал трехмерную трактовку пластического образа, наметив тем самым возможность связи его с окружением, однако только в Нике Самофракийской эти качества получили свое полное выражение. Статуя Ники не только требовала обхода с различных сторон, но и находилась в неразрывной связи с окружавшим ее ландшафтом; постановка фигуры и трактовка одежды таковы, что кажется, будто Ника встречает напор реального ветра, который раскрывает ее крылья и развевает одежду. Особо следует отметить одну черту в образном воплощении Ники Самофракийской, выделяющую это произведение среди других памятников эллинистической скульптуры; если патетические образы эллинистического искусства носят обычно трагический характер, то воплощенное в самофракийской Победе чувство ликующей радости, оптимистическое звучание образа приближают это произведение к памятникам греческой классики.

Скульптура Венеры Милосской. Как свидетельствует надпись, автором этого произведения был скульптор Александр (или Агесандр - несколько отсутствующих букв не позволяют окончательно установить его имя). Статуя дошла до нас без обеих рук, и пока что не найдено ее убедительной реконструкции. Неизвестно также время ее исполнения - предположительно считается, что статуя относится к 3 - 2 вв. до н.э.

Трудности датировки во многом объясняются необычностью образа Афродиты Милосской для эллинистической эпохи: ни одно произведение эллинистического искусства не несет в себе так много черт классического искусства, и притом не поздней, а высокой классики. Возвышенная красота этого образа, как и самый тип богини, необычны для эллинистического времени - при всей женственности красота богини отличается какой-то особой мощью. В отдельных приемах, например в строгой трактовке волнистых прядей волос, улавливаются отзвуки художественной манеры скульпторов 5 в.; однако в применении к Афродите Милосской менее всего речь может идти о прямом подражании классическим образцам: образные и художественные принципы классического искусства получают новое истолкование на основе лучших достижений эллинизма. Афродита изображена полуобнаженной - ноги ее задрапированы живописными складками одеяния. Благодаря этому мотиву нижняя часть фигуры оказывается более массивной и общее композиционное решение приобретает характер особой монументальности. В то же время сильный контраст обнаженного тела и одежды открывает возможность особенно богатого пластического решения, этому же соответствует постановка фигуры с применением винтообразного поворота и легкого наклона. В зависимости от аспекта зрения фигура богини кажется то гибкой и подвижной, то полной величавого покоя. При всей идеальности форм тело богини поражает своей изумительной жизненностью: за обобщенными массами и контурами скрывается необычайно тонко прочувствованная мускулатура тела; этому же в немалой степени содействует необычайная свежесть фактуры, достигнутая при обработке мрамора. Наконец, главная черта, представляющая особую привлекательность этого произведения, - это этическая высота образа. В эллинистическую эпоху, когда в многочисленных изображениях Афродиты подчеркивалось прежде всего чувственное начало, автор Афродиты Милосской сумел подняться до осознания идеала высокой классики, когда красота образа была неотделима от его высокой нравственной силы.

«Бельведерский торс» (скульптор Аполлоний, сын Нестора; I в. до н.э.; мрамор). От скульптуры, изображавшей, вероятно, отдыхавшего Геракла, сохранился только торс (хранится ныне в Ватиканском музее). Мастерски выполненный мощный торс с атлетически развитой мускулатурой отличается идеализированными формами тела.

«Кулачный боец» (скульптор Аполлоний, сын Нестора, I в. до н.э.; бронза, медь). Скульптура резко отличается от статуи "Бельведерекий торс". Представлен не атлет-победитель времен расцвета полисов, а боец-профессионал, чье изображение выполнено со скрупулезной точностью: лицо, разбитое в многочисленных кулачных боях (сломанный нос, шрамы, разорванные уши), перчатки с железными вставками на руках. Эти статуи принадлежат одному мастеру, но сделаны они в противоположных направлениях. Если "Бельведерекий торс" выдержан в идеализированных формах, то "Кулачный боец" трактован натуралистически. Такое совмещение столь далеко отстоящих друг от друга направлений представляет собой новое явление в античном искусстве. Художник перестает быть носителем определенных традиций. Он становится скульптором-виртуозом, могущим исполнить работу в противоположных стилевых направлениях.

Портрет

В области скульптурного портрета эллинистическое искусство по сравнению с классикой делает важный шаг вперед. Характерное для эллинизма ослабление идеальной обобщенности образа, повышенный интерес к правдивой передаче натуры, обращение к внутреннему миру человека предопределили новые принципы портретного искусства.

Портрет Аристотеля. Относящиеся к началу эллинистической эпохи изображения великого мыслителя античного мира Аристотеля, решенные в установившихся в греческом искусстве приемах портретов философов, по сравнению с портретами 4 в. до н.э. отличаются не только более детальной передачей характерных особенностей внешнего облика модели, но и стремлением к воплощению ее духовного облика. В портрете Аристотеля из римского Национального музея внутренняя характеристика образа дана еще обобщенно, без детализации; пластическое воплощение отличается строгостью, композиция фронтальная, построение лица подчеркнуто конструктивно. Новым в этом портрете является повышенное внутреннее напряжение образа, содействующее передаче духовной мощи великого мыслителя. Сходными особенностями отличается также относящийся к началу 3 в. до н.э. портрет Эпикура.

Портрет Эпикура. 3 в. до н. э. Вероятно, римская копия с утраченного прижизненного портрета. Мрамор. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.

Следующий шаг вперед представляют собой портреты известного драматурга конца 4 - начала 3 в. до н.э. Менандра, в том числе превосходный портрет его, хранящийся в ленинградском Эрмитаже. В этом портрете меньше связанности с каноническими принципами, более индивидуально переданы черты тонкого нервного лица Менандра, детальнее раскрывается его внутренний облик - черты раздумья, грусти, усталости; однако эти качества образа выражены приглушенно, они еще не составляют предмета основного внимания художника. Композиционное построение стало свободнее, голова дана в легком повороте и наклоне, чем усиливается впечатление естественности; большей мягкостью отличается пластическая моделировка.

Деметрий из Алопеки. Портрет философа Антисфена. Около 375 г. до н. э.

О достоинствах, а вместе с тем и о границах искусства Деметрия можно в какой-то мере судить по сохранившейся копии с его портрета философа Антисфена, исполненного около 375 г. до н.э. , — одной из последних работ мастера, в которой с особой полнотой выразились его реалистические устремления. В лице Антисфена совершенно очевидно показаны черты его конкретного индивидуального облика: покрытый глубокими складками лоб, беззубый рот, взлохмаченные волосы, растрепанная борода, пристальный, немного хмурый взгляд. Но в этом портрете нет сколько-нибудь сложной психологической характеристики. Важнейшие достижения в разработке задач характеристики духовной сферы человека были осуществлены уже последующими мастерами — Скопасом, Праксителем и Лисиппом.

Полиевкт. Статуя Демосфена. Около 280 г. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного оригинала. Рим. Ватикан.

Пример зрелого эллинистического портрета дает сохранившаяся в римской копии портретная статуя афинского оратора Демосфена работы скульптора Полиевкта. Статуя выполнена в 280 - 279 гг. до н.э., то есть более чем сорок лет спустя после смерти Демосфена. Казалось бы, тем больше оснований было для создания идеально-обобщенной статуи оратора в духе установившихся традиций. Однако Полиевкт отказался от какой бы то ни было идеализации в передаче индивидуальных черт лица Демосфена, трактуя их с ярко выраженным портретным сходством, что свидетельствует о тщательном изучении прижизненных изображений оратора. Конкретизация образа не помешала скульптору создать образ чрезвычайно широкого охвата и большой идейной глубины. При работе над портретом Демосфена Полиевкт руководился стремлением воссоздать трагический образ афинского патриота, который безуспешно пытался объединить своих сограждан в борьбе против Македонии, готовившейся к захвату Аттики. Погруженный в себя оратор стоит склонив голову, согнув плечи, сжав опущенные руки. Изборожденный морщинами лоб, запавшие глаза, впалые щеки, слабое худое тело, одежда - плащ, небрежно скомканный и переброшенный через плечо, превращенный у пояса в беспорядочно смятый комок, выразительный жест -весь облик Демосфена выражает сознание бессилия, горечь и разочарование, чувство трагической безысходности. Это образ человека, исчерпавшего все свои силы в бесплодной борьбе. Важное значение портрета Демосфена состоит в том, что в этом произведении (в отличие от портрета Менандра, в котором передавалось только общее душевное состояние) осуществлен переход к изображению конкретного переживания героя. Портрет Демосфена - это не только изображение отдельной индивидуальности, он содержит в себе глубокую историческую оценку одного из выдающихся деятелей эпохи.

Портрет философа (так называемый Сенека). Бронза. 3—2 вв. до н. э. Неаполь. Национальный музей.

Реалистическую линию раннеэллинистического портрета завершает бронзовый бюст неизвестного философа (или поэта) в Неаполитанском музее. С первого взгляда портрет поражает необычайной остротой в передаче внешнего облика старого философа: подчеркнуты признаки старческой дряхлости - морщины, бороздящие лицо, впалые щеки, старческие складки кожи на шее. Однако главное Здесь не во внешней характеристике, а в глубокой передаче духовного облика человека. В противовес портретным образам классической эпохи неаполитанский портрет философа представляет человека в момент крайнего эмоционального напряжения. В восходящей к Лисиппу голове Александра Македонского с острова Коса впервые были внесены в портрет элементы пафоса, причем этот пафос воспринимался как выражение героического подъема чувств; элементы душевной дисгармонии тогда только зарождались. В неаполитанском портрете пафос переходит в трагический надлом. Тема духовного кризиса, положенная в основу этого образа, не только характеризует данную конкретную личность, но является выражением кризиса всей эпохи.

«Фарнезский бык» (скульпторы Аполлоний и Тавриск; сер. II в. до н.э.; римская копия с доработками и элементами реставрации). Скульптура выполнена на мифологический сюжет. Сюжет носит повествовательный характер. Чтобы понять изображенное, необходимо знать миф об Антиопе. Для скульптуры выбран момент казни царицы Дирки. Если в эпоху архаики и классики мастера изображали кровавые сюжеты (битвы, убийства), то задачей было показать подвиг героя или пафос борьбы. Здесь же в центре изображения - стремление дать острый сюжет убийства. Зрителя наводят на мысль, что пройдет минута, и обагрится кровью тело царицы.

Композиция отличается сложностью построения объемов и полна напряженной динамики. Представленные фигуры находятся в пространстве, которое воспринимается как реальное и связывает группу с окружающим ее миром.

«Лаокоон» (мастера Агесандр, Полидор, Афинодор; ок. 50 г. до н.э.; мрамор). Представлен сюжет со сложной повествовательной фабулой, без знания которой изображение загадочно - миф о жреце Лаокооне, желавшем предупредить троянцев о хитрости ахейцев и убеждавшего сограждан не впускать знаменитого деревянного коня в Трою. За это предупреждение боги наказали Лаокоона и его сыновей мучительной смертью от укусов змей.

В статуарной группе зафиксирован момент, когда чудовищные змеи уже обвились вокруг тел Лаокоона и его сыновей и сжимают их своими мощными кольцами. Одна змея кусает младшего из сыновей, другая впилась в бедро Лаокоона. Тела жертв судорожно извиваются, лица искажены нестерпимой болью. Страшная гибель жреца и его сыновей показана с подчеркнутой наглядностью. Например, изображено, как мышцы живота Лаокоона сокращаются от резкой боли, вызванной укусом змеи.

Группа мастерски развернута в одной плоскости и исчерпывающе воспринимается с одной, фронтальной точки зрения.

Рельефы большого фриза Пергамского алтаря (ок. 180 г. до н.э.; мрамор). Большой фриз алтаря изображает битву богов с гигантами и состоит из 118 плит мелкокристаллического мрамора малоазийского происхождения. Ширина плит 0,7-1,1 м, толщина - 0,5 м. Фигуры были раскрашены и инкрустированы металлом и камнем.

Фриз был предельно плотно заполнен фигурами (всего фигур 110). Представлено пятьдесят фигур богов и шестьдесят фигур гигантов. Помимо этого много изображений животных.

Рельефы выполнены на сюжет мифа о победе богов над гигантами с помощью Геракла. Победа богов над гигантами символически представляла победу правителя Пергамского царства Аттала I над галатами (греков над варварами).

На фризе много противопоставлений: противопоставлены боги и гиганты (боги показаны побеждающими, гиганты - побежденными); морские божества противопоставлены земным; боги дня противопоставлены богам ночи и т.д. Получается, что смысловые связи и противопоставления многочисленными нитями пронизывают все изображение.

На фризе отсутствует изобразительное отличие богов и гигантов. Всем персонажам в равной степени присущи звериные, хтонические черты. Например, Геката изображена трехголовой и шестирукой, у Тритона - туловище коня и рыбий хвост. Крылья в равной мере присущи изображениям как богов, так и гигантов. Интересно, что лики богов на фризе представлены спокойными, тогда как лики гигантов искажены страданием, страстью.

Таким образом, фриз представляет не столько борьбу добра со злом, сколько битву разума с неразумием, сдержанности с разнузданностью. При этом, вероятно, разумом наделены носители греческой культуры (боги, герои), тогда как неразумны варвары (гиганты). В результате борьбы происходит объединение борющихся сторон - эллинизация варваров. А восхождение к алтарю есть путь от звериного и множественного и божественному и единому.

«Галл, убивающий жену и себя» (предположительно, мастер Эпигон; III в. до н.э.; римская копия; мрамор). В правление царя Атталла I, одержавшего победу над галатами, площадь у святилища Афины была украшена статуями и группами, прославлявшими эту победу. Самым крупным мастером, работавшим при дворе Аттала во второй половине 3 в. до н.э., был скульптор Эпигон, к оригиналам которого восходят римские копии с отдельных статуй и групп из рассматриваемого комплекса. К лучшим из них принадлежит группа, изображающая галла, убившего свою жену и закалывающегося мечом, чтобы не попасть в позорный плен к победителям. Драматическая ситуация используется художником для выражения героических черт образа: пергамский мастер объективно передает доблесть побежденных. Образ галла (очевидно, вождя племени) полон героического пафоса, усиленного контрастом его мощной фигуры с бессильно падающим телом его жены. Лицо галла выражает страдание и трагическую решимость. При всей монументальности образа черты идеальности здесь выражены слабее; большое внимание уделено передаче этнического типа. Композиция группы отличается сложностью: объединение различных по образной характеристике и контрастных по движению фигур проведено с большим мастерством. Группа рассчитана на обход с различных сторон. В соответствии со сменой зрительных аспектов меняются не только композиционно-пластические мотивы, но и характеристика образов — на первый план выступают то черты страдания, то героического пафоса.

В статуе «Умирающего галла» дано другое воплощение темы гибели на поле битвы. Истекающий кровью галл пытается приподняться, но силы покидают его и сознание угасает. Снова пергамский мастер создает героический образ иноплеменника, убедительно воплощая сложную гамму чувств умирающего — его мужество, страдание, сознание неотвратимой смерти. В этом произведении меньше пафоса, нежели в рассмотренной выше скульптурной группе, но больше глубокой проникновенности, и тем сильнее художественное воздействие образа. В статуе «Умирающего галла» особенно точно передан этнический тип галла — резкие черты лица, усы, волосы, торчащие короткими грубыми прядями (галлы смазывали их известковым раствором), тело сильное, но лишенное признаков того гармонического развития, которое достигается гимнастическими упражнениями; художник изобразил такую характерную принадлежность галльского вождя, как металлическая гривна на шее.

Лаокоон и его сыновья. Агесандр Родосский, Полидор, Афинодор, 200 до н. э. Прославленным произведением родосской школы была группа «Лаокоон», выполненная мастерами Агесандром, Полидором и Афинодором около 50 г. до н.э. Группа, дошедшая до нас в оригинале, была открыта в 16 в. и, будучи одним из немногих известных произведений греческой скульптуры, считалась величайшим достижением античного искусства. Открытие ряда памятников классического и раннеэллинистического искусства дало возможность увидеть относительную узость содержания и односторонность образного решения «Лаокоона». Сюжет этого произведения взят из мифов о Троянской войне. Троянский жрец Лаокоон предупреждал сограждан об опасности перенесения в Трою оставленного греками деревянного коня; за это Аполлон, покровительствовавший грекам, направил на Лаокоона двух огромных змей, задушивших жреца и двух его сыновей. Снова перед нами изображение душераздирающей по своему драматизму ситуации: гигантские змеи душат в своих смертоносных кольцах Лаокоона и его сыновей: одна из змей впивается в грудь младшего сына, другая кусает в бедро отца. Голова Лаокоона запрокинута, лицо искажено страданием, мучительно напряженным усилием он пытается освободиться от душащих его змей. Страшная гибель жреца и его сыновей показана с подчеркнутой наглядностью. Скульптура свидетельствует о большом мастерстве художников, умело задумавших драматический эффект, о великолепном знании анатомии: показано, например, как мышцы живота Лаокоона сокращаются от резкой боли, вызванной укусом змеи; искусна композиция: группа мастерски развернута в одной плоскости и исчерпывающе воспринимается с одной, фронтальной точки зрения.

Колосс Родосский (греч. Κολοσσός της Ρόδου, лат. Colossus Rhodi) — гигантская статуя древнегреческого бога Солнца Гелиоса, которая стояла в портовом городе Родосе, расположенном на одноимённом острове в Эгейском море, в Греции. Одно из «Семи чудес света». После распада державы Александра Македонского на Родосе закрепился Птолемей. После его утверждения в Египте он заключил с Родосом союз, контролирующий торговлю в восточном Средиземноморье. В 305 до н. э. сын другого диадоха Антигона I Одноглазого, Деметрий I Македонский, высадился на Родосе с сорокатысячным войском. Продержав главный город острова в осаде целый год, несмотря на сооружение множества осадных орудий, он был вынужден отступить.

Народ Родоса решил продать брошенные осадные орудия и построить статую почитаемого ими бога Солнца Гелиоса, чтобы отблагодарить его за заступничество. Гелиос был не просто особо почитаемым божеством на острове — по легенде он был его создателем: не имея места, ему посвящённого, солнечный бог вынес остров на своих руках из морской глубины. Высота статуи — 36 м (предположительно).

Двенадцать лет трудился скульптор Харес, ученик Лисиппа, над созданием почти 36-метрового бронзового гиганта. Когда работа над статуей была закончена, глазам пораженных родосцев предстал высокий и стройный юноша-бог с лучистым венцом на голове. Он стоял на белом мраморном постаменте, слегка отклонившись назад, и напряженно всматривался вдаль. Статуя бога возвышалась прямо при входе в гавань Родоса и была видна с ближайших островов. Статуя была изготовлена из глины, в основе её был металлический каркас, а сверху она была покрыта бронзовыми листами.

Для работы над изображением бога непосредственно на месте его установки, Харес использовал оригинальный прием: с постепенным возвышением скульптуры поднимался и земляной холм вокруг нее; холм был впоследствии срыт, и статуя в полном виде была раскрыта изумленным жителям острова.

На изготовление грандиозного монумента потребовалось 500 талантов бронзы и 300 талантов железа (соответственно около 13 и около 8 тонн). Колосс породил и своего рода моду на гигантские статуи, на Родосе уже во II в. до н. э. было установлено около ста колоссальных скульптур.

Колосс простоял шестьдесят пять лет. В 222 году до н. э. статую разрушило землетрясение. Как пишет Страбон, «статуя лежала на земле, поверженная землетрясением и переломленная у коленей». Но и тогда Колосс вызывал удивление своими размерами. Плиний Старший упоминает, что лишь немногие могли обхватить обеими руками большой палец руки статуи (при соблюдении естественных пропорций человеческого тела это указывает на рост статуи в 200 футов или 60 м).

Обломки Колосса пролежали на земле больше тысячи лет, пока, наконец, не были проданы арабами, захватившими в 977 году Родос, купцу, который, как рассказывается в одной из хроник, нагрузил ими 900 верблюдов.

Существовала легенда: когда воздвигли статую Колосса Родосского, случилось землетрясение, после которого она разрушилась. Статую снова восстановили, и опять случилось землетрясение. Мудрецы сказали, что если снова народ воздвигнет статую, то остров Родос уйдет под воду.

«Нил» (I в. до н.э.; мрамор). Нил представлен в виде лежащего бородатого мужа с несколько пухлым изнеженным телом. Мягкое и дряблое тело Нила убедительно выражает намерение скульптора дать образ большой, многоводной медленно текущей реки. Левым локтем Нил опирается на статую лежащего Сфинкса. Копошащиеся около Нила дети играют с двумя очень типичными для Египта животными. Другие изображают и указывают на плодородие Нила. Это прежде всего, рог изобилия. Шестнадцать фигур мальчиков, равные каждая футу, символизируют те шестнадцать футов, на которые поднимается уровень Нила во время половодья, давая стране обильный урожай.

По цоколю статуи тянется рельеф, представляющий нильский пейзаж.

«Мальчик с гусем» (мастер Боэф из Халкедона; III в. до н.э.; мраморная римская копия; оригинал - бронза). Пример жанровой скульптуры, александрийской школы. Показана с юмором сцена борьбы мальчика с большим гусем. Хорошо передано пухлое тело ребенка, выразительность его движений. Группа мастерски скомпонована:пластическое решение обогащено контрастом тела мальчика и крыльев птицы.

«Камея Гонзага» (первая половина III в. до н.э.; сердолик). Парный портрет царя Птолемея Филадельфа и царицы Арсинои. Слоистое строение разноцветного камня использовано для достижения красивого эффекта: нижний, темный слой сердолика служит фоном для изображения лиц в светлом слое камня.

Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту: