|
|
Резное дерево волжских изб 10 глава
В Вологде сложился сильный творческий коллектив. Опираясь на богатое наследие, изучая его и используя все достижения старинного многопарного и сцепного кружева, художницы в 1950-1970-е годы создают немало выдающихся произведений. Орнамент панно, занавесов, скатертей имеет сдержанный и строгий характер. Отчетливый крупный рисунок выполнен мощной вилюшкой с крутой сканью. В вологодском кружеве почти не бывает ажурной "сетки", зато полотнянка из толстого сурового или белого льна - самый любимый элемент. Продолжается работа над сюжетными произведениями; появились даже сказочные темы: "Аленький цветочек", "Сказка о царе Салтане". Богатый мир образов природы населяет кружево. Каких только птиц не увидишь в работах заслуженного художника РСФСР В. Н. Ельфиной (р. 1930): и изображенных условно, как запятая с хвостиком-перышками, и смешных птенцов с раскрытым клювом, и волшебных жар-птиц с пышными хвостами. У каждой художницы свой творческий почерк. Теплотой и поэтичностью образов, оригинальностью композиции отличаются произведения старейшего мастера Вологды К. В. Исаковой (р. 1908). В панно "Олени" (1968) изображения животных с ветвистыми рогами помещены на прозрачном фоне в окружении елочек. Олени словно чутко прислушиваются к чему-то. Фигурки и деревья расположены на разных уровнях, и кажется, что панно имеет глубину и мы смотрим на опушку леса с островками деревьев откуда-то сверху, издалека. Раскиданные по фону плотные точки становятся порхающими снежинками, и все кружево будто светится чистотой заснеженного леса.
Пяти вологодским художницам - К. В. Исаковой, В. В. Сибирцевой, Э. Я. Хумала, заслуженным художникам РСФСР В. Д. Веселовой и В. H. Ельфиной в 1968 году была присуждена Государственная премия РСФСР имени И. Е. Репина. А сейчас в кружевном объединении "Снежинка" рядом с опытными мастерами работают A. H. Ракчеева, Г. Н. Мамровская, H. В. Веселова. Традиции вологодского кружева развиваются талантливой молодежью. Среди современных кружев захожское занимает скромное место. Кружево плетут жительницы нескольких деревень Киришского района Ленинградской области. Оно создавалось для украшения дома, излюбленный круг предметов составляли накидки на кровать, салфетки, подзоры и концы полотенец. Мирное, неторопливое течение деревенской жизни отразилось в характере местных узоров. Мастерицы через десятилетия пронесли неизменными все его приемы и элементы, сохранив и особую прозрачность как бы размытых узоров, и их скромность. До Великой Октябрьской социалистической революций этот промысел был почти неизвестен. Местные кружева продавались под видом вологодских. Тем интереснее яркий взлет творчества в Захожье в 1930-е годы, активный отклик мастериц на современность;: В орнаменте кружев сплетаются буквы "РСФСР", звезды, серп и молот, появляются изображения герба СССР. Многие мастерицы участвуют в выставках, плетут изделия специально для музея. В 1940 году Е. Д. Звездина (р. 1900), талантливая кружевница из деревни Дуняково, выполнила подзор "Конница" - произведение, которое принесло славу захожскому кружеву. Это неширокая полоса с волнистым нижним краем. В ней выплетены фигуры всадников в буденовках, с ружьями за плечами. Они слегка пригнулись в седлах, словно в ночном дозоре пробираются через ночной лес, под звездным небом. В этой работе, яркой и необычной по технике плетения, Е. Д. Звездина первой из всех художников и мастеров советского кружева изобразила человека, сумела тепло и непосредственно раскрыть современную героическую тему. В каждом промысле всегда есть мастера, несущие своим творчеством передовые идеи, создающие новые формы искусства. В Захожье - это Е. Д. Звездина, A. H. Курина (р. 1901). В Рязани - заслуженный художник РСФСР Д. А. Смирнова (р. 1925), которая работает над кружевом более 30 лет. В 1950-е годы ее задачей было возрождение почти угасшего промысла Михайловского кружева. Смирнова собирала и изучала старинное кружево, пробуждала интерес мастериц к творчеству. В собрании Русского музея более 100 образцов Михайловского кружева, подаренных художницей. Современное михайловское кружево сохранило численную технику и яркость цвета старинных кружев, но характер его значительно изменился. С каждой работой Д. А. Смирновой в кружеве появляется что-то новое. Оно стало более широким, с крупными формами орнамента, разнообразной цветовой гаммой. Смело используются различные материалы: шерсть, металлическая нить, мулине, лен. В кружеве появились изображения людей, птиц.
Комплект "Солнечный" (1977) Д. А. Смирновой включает скатерть и полотенце. Так же как и в старинных рязанских костюмах и предметах домашнего убранства, кружево здесь неотделимо от ткани - красной редины и холста - и вышивки крестом, над которой работала дочь художницы- С.Я.Белякова (р. 1951). Кружево словно излучает сияние - "светятся" крупные желтые цветы с множеством лепестков, похожие на подсолнух. А в узкой полосе прошвы мелкие узоры вспыхивают черно-красными точками. В работах Д. А. Смирновой сочетаются мощные формы орнамента и ювелирность плетения.
Современное елецкое кружево также совсем не похоже на старинное тонкое многопарное. С 1950-х годов в городе Ельце Липецкой области стали плести сцепное кружево, менее трудоемкое и сложное. Но художники стараются сохранить его особые декоративные качества. Все элементы воздушные, разреженные. В кружеве преобладают растительные узоры, я среди них любимым мотивом стала гибкая цветущая ветвь. Круглая скатерть, выполненная П. Г. Петровой (р. 1916), самой опытной художницей промысла, привлекает изяществом легких цветов с ажурными венчиками, миниатюрными гирляндами листьев, прекрасными решетками двух видов - в широкой полосе фона и в фигурных фестонах. Работы художниц Ельца П. Г. Петровой, В. И. Григорьевой (р. 1924), М. Д. Саввиной (р. 1928), К. Г. Пальчиковой (р. 1941) -новый этап развития старинного промысла.
Крупным центром кружевоплетения была в прошлом слобода Кукарка Вятской губернии (ныне - город Советск Кировской области). Кировское кружево сейчас переживает период расцвета. Работы художниц В. И. Смирновой (р. 1937) и А. Ф. Блиновой (р. 1936) - большой вклад в современное искусство. С первого взгляда кировское кружево радует красотой узоров и богатой фактурой. Крупные сочные формы орнамента - цветов на густых ветвях, гибких стеблей - подчеркнуты рельефом скани, наложенными на кружево сверху насновками. Цветы не похожи один на другой: в них чередуются плотные и ажурные лепестки, вилюшка раздваивается, прерывается дырочками. Решетки фона с большими ячейками украшены свободно разбросанными звездочками. Кировские художники любят многофигурные сюжетные композиции по мотивам дымковской игрушки - с изображениями гусаров, водоносок, дам под зонтиками, с нарядными женскими фигурками. В панно А. Ф. Блиновой "Праздник" (1977) ощущение праздничности достигается обилием цветов в кайме, букетов в руках персонажей. Кажется, что фантазия художницы не имеет границ, с таким разнообразием выплетены неповторяющиеся фигурки. Но за каждой деталью узора стоят долгие часы, дни мучительных раздумий, поисков. Сначала композиция произведения продумывается в маленьких эскизах. Потом точно разрабатываются его части. Детали - фигурки, цветы - тут же проплетаются, и художники решают, на каком варианте рисунка, цвета, материала следует остановиться. Как только на большом листе бумаги готов четкий и законченный рисунок будущей скатерти или панно, начинается техническая работа: на рисунке нужно точно указать, как плести ту или иную деталь, найти место каждой булавочке. И когда эта работа закончена, к исполнению произведения приступают кружевницы. Большие изделия для выставок создаются в течение нескольких месяцев целыми группами мастериц. Кружевоплетение - один из самых трудоемких видов народного искусства. За внешней легкостью, с которой кружевницы перебирают коклюшки, скрыты напряженная работа, высокая требовательность к чистоте и красоте плетения. Зато итогом этой работы становится безупречное по форме и согретое душевной теплотой знаменитое русское кружево.
Гравюра на серебре С давних времен известны изящные серебряные изделия со строгим черневым орнаментом. Искусство чернения, наряду с цветной эмалью, было распространено во многих городах России. Особенно славились высоким качеством черни и красотою рисунка произведения мастеров Великого Устюга. Здесь и сейчас художники фабрики "Северная чернь" продолжают традицию старинного народного ремесла. Великий Устюг расположен при слиянии двух рек - Сухоны и Юга, образующих Малую Двину. В старину по рекам проходил оживленный торговый путь; население города занималось торговлей и ремеслами. Мастера серебряного дела выполняли церковные заказы, а также бытовую утварь и украшения. XVIII век для Великого Устюга стал временем расцвета черневого искусства. В Петровскую эпоху повысился спрос на изделия светского характера; изменился ассортимент предметов - в моду вошли табакерки, подносы, различные туалетные принадлежности. Каждый мастер работал на дому. Ему помогали ученики и подмастерья, которые осваивали ювелирное дело и перенимали секрет приготовления черневого состава. Чернь - это сплав серебра с медью, свинцом и серой. Размельченный в порошок состав смачивается бурой и наносится на серебряное изделие с предварительно награвированным изображением. При обжиге чернь заполняет углубления и прочно сплавляется с серебром. Для выявления рисунка мастер мелким напильником спиливает лишнюю чернь и затем шлифует поверхность серебра. Черневой орнамент нередко применяется в сочетании с гравировкой, чеканкой, золочением. Особенность черневых произведений Великого Устюга составляет канфаренный фон. Серебро прочеканивается канфарником - стальным прутиком с острым концом в виде шила, что придает поверхности предмета зернистую фактуру. Позолоченный канфаренный фон имеет красивый матовый оттенок. Этот прием был широко распространен в ювелирном искусстве XVIII века. В это время мастера выпускали изделия в формах господствующего тогда стиля барокко. Сюжеты изображений заимствовали из популярных европейских книг, в том числе знаменитой "Символы и эмблемы". Мастера копировали книжные гравюры, умело располагая многоплановые композиции на поверхности любого предмета. На табакерках, кубках встречаются охотничьи сюжеты, сцены застолья нарядных дам и кавалеров и другие. Сюжетные изображения обрамлялись орнаментальной рамкой из цветочных гирлянд. В передаче фигур, рисунке затейливого орнамента серебряники достигали большого мастерства. Их работы пользовались широкой известностью. В середине XVIII века для поддержания черневого дела в Москве туда был приглашен устюжский мастер Михаил Климшин. В конце XVIII века на изделиях Устюга появились новые изображения: планы и виды городов, карты губерний, сцены военных сражений украсили крышки табакерок и коробочек. Новая тематика была связана с широким развитием градостроения, географическими изысканиями на территории страны, успешными военными походами русской армии.
Одним из талантливых мастеров, создавших много подобных произведений, был Иван Жилин. Табакерка с картой Вологодской губернии из собрания Русского музея выполнена мастером в 1794 году. Это одна из ранних его работ. На круглой плоской крышке в обрамлении крупной черневой сетки меридианов и широт на золотом фоне помещена карта Вологодского наместничества. На серебряном фоне чернью тщательно прорисованы извилистые реки, проставлены их названия, города обозначены миниатюрным контуром строений, церквей и крепостных башен. Заглавными буквами отмечены на карте участки границ с соседними землями, перечень которых указан на оборотной стороне табакерки. Там же содержатся интересные подробные данные о Вологодской губернии: число городов, деревень, количество и состав населения и т. д. На боковой стороне размещены гербы уездов. Географические сведения, цифровые данные составляют художественное оформление вещи. Простота формы табакерки, строгая логичность орнаментации отвечали требованиям времени - суровому рациональному стилю классицизма. Предметы с черневыми видами и планами городов стали столь популярными, что эта тема нашла отражение в творчестве всех последующих поколений устюжских мастеров. Осваивать все новые композиции для гравировки под чернь согласно меняющимся вкусам заказчиков могли далеко не многие серебряники. Поэтому очень часто в XIX веке использовались рисунки и гравюры прошедшего столетия. На изделиях простой геометрической формы без позолоты повторялись несколько видоизмененные детали старого орнамента.
Мастером, исполнившим табакерку 1847 года, предположительно считают Алексея Кладовникова. На крышке помещено изображение Медного всадника, набережной со зданием Сената и корабельных мачт. Все объемы переданы густым черневым штрихом. Пропорции памятника не совсем достоверны, мастер вольно копировал гравюру и, возможно, недостаточно умело владел рисунком. С большей уверенностью выполнен орнамент. Крупные ветви образуют барочные завитки; круглящиеся листья проработаны мягкой штриховкой. Плоская форма табакерки с гладкой поверхностью и слегка скругленными краями, матовый серебряный фон - характерные черты ювелирного искусства середины XIX века. По архивным данным, в это время в Великом Устюге оставалось всего несколько мастеров черневого дела. Трудоемкое искусство серебряников-одиночек не выдерживало конкуренции с богатевшими и процветавшими ювелирными фабриками Петербурга и Москвы. Самым одаренным среди этих немногих мастеров был Михаил Кошков. Он обучил традиционному искусству своего внука - Михаила Чиркова, который к началу XX века оставался единственным мастером в городе. Чирков знал секрет приготовления черни и был хорошим гравером. На своих изделиях он упоминал имя прославленного деда. "Преемникъ Кошкова М. Ч." - такое клеймо можно прочесть на браслете его работы. На узкой гладкой полоске серебра передана панорама Великого Устюга. Строения городской набережной исполнены миниатюрным контурным рисунком.
В годы первой мировой войны и сразу после Октябрьской революции М. П. Чирков не работал. Но он понимал, что искусство черни в Великом Устюге может погибнуть так же, как еще в конце XIX века перестали существовать многие промыслы в других городах России. В 1920-е годы в стране началось постепенное возрождение традиционных центров народного ремесла. В 1929 году в Великом Устюге была организована "Экспортная мастерская"; работу в ней возглавил М. П. Чирков. Под его руководством молодые мастера обучались ювелирному и граверному делу, приготовлению черни. Мастерская, вскоре переименованная в артель "Северная чернь", занималась выпуском бытовых предметов: портсигаров, подстаканников, ложек, браслетов. Появились государственные заказы на уникальные произведения. С трудной задачей освоения новых художественных форм изделий и создания гравюр-рисунков, отвечавших современному искусству, мог справиться только опытный мастер. Таким художником для промысла стал заслуженный деятель искусств РСФСР Е. П. Шильниковский (1890-1980). Уроженец Великого Устюга, он получил образование в Петербургской Академии художеств в мастерской известного гравера В. В. Матэ. Вернувшись в Устюг, Шильниковский увлекся черневым искусством и с 1936 по 1962 год был художественным руководителем "Северной черни". В течение многих лет изделия фабрики выполнялись по его эскизам. В 1937 году произведения из Великого Устюга с успехом экспонировались на Всемирной выставке в Париже. Глубокое изучение особенностей старого черневого искусства помогло Е. П. Шильниковскому в создании новых орнаментальных и изобразительных композиций. Так в его работах появились традиционные городские пейзажи; виды Московского Кремля, Красной площади украсили юбилейные кубки, подстаканники, браслеты. В коллекции Русского музея есть небольшая овальная пудреница с изображением панорамы Великого Устюга. Черневой силуэт набережной с высокими главками церквей и башнями колоколен четко выделяется на канфаренном фоне, ограниченном волнистой линией облаков. Пейзаж обрамляют ветви с мягко круглящимися листьями. В этом произведении, как и во многих других, мастер развивает живописные приемы черни, которыми славилось устюжское искусство XVIII века. На стопках винного прибора "Лесная дичь" Шильниковский поместил композицию из птиц и зверей. Фигуры, переданные густым черневым штрихом, выступают темным силуэтом на золотом фоне. Косая гравированная сетка придает позолоте рассеянный блеск и, как бы раздвигая границы изображения, создает впечатление дымки лесного воздуха. На этом фоне очертания лесных трав, крыльев птиц и силуэтов зверей образуют затейливый узор. В поисках разнообразных сюжетных решений художник обратился к теме, связанной с северной природой, а также выполнил ряд интересных серий по мотивам сказок Пушкина и басен Крылова. За свою многолетнюю деятельность Е. П. Шильниковский обучил несколько поколений художников-граверов. С его именем связан важный период в восстановлении и развитии прославленного народного промысла. Кроме сюжетных изображений, мастера фабрики "Северная чернь" в своих произведениях продолжают исполнять орнаментальные композиции. Наибольшее распространение получили изображения цветов, листьев, плодов на черневом фоне. Высокое мастерство отличает шкатулку художницы В. Н. Якушевой-Угловской (р. 1928) "Цветы". На крышке в центре она помещает букет роз в обрамлении цветочных гирлянд. Их контуры не очерчены гравировкой, они как бы растворяются в черном матовом пространстве фона. Из него мягко выступают серебряные лепестки роз.
Неяркий цветочный узор, покрывающий изделие сплошь, повторяется во многих произведениях художников. Он может показаться однообразным, однако различные комбинации растительных мотивов позволяют создавать все новые и новые композиции. Красивый бархатистый орнамент удачно согласуется с формой предмета, а одна или несколько цветочных розеток легко располагаются на поверхности узкого браслета, овальной броши и ложки. В экспозиции Русского музея представлены работы одного из ведущих современных мастеров промысла, заслуженного художника РСФСР Е. Ф. Тропиной (р. 1930). В ее творчестве прослеживаются черты, как общие для всего народного искусства, так и традиционные для северной черни. Тропина интересно варьирует элементы растительного орнамента, создавая уравновешенные замкнутые композиции. На одной из чарок (1968) изображен характерный мотив народного искусства - цветок, похожий на лилию. Крупную чашечку цветка с тремя большими лепестками на длинном стебле можно увидеть в вологодских вышивках, набивных тканях и изделиях московских серебряников XVII века. Автор не копирует старые произведения, а создает на их основе самостоятельный орнамент. Тулово чарки опоясывают ритмично чередующиеся цветы с поднятыми и опущенными лепестками. Большая выразительность рисунка достигается контрастным сочетанием цвета черни и блестящего гравированного серебра. Е. Ф. Тропина использует в черневом декоре графический прием, основанный на плоскостном характере изображения.
Аналогичный растительный мотив украшает и другую чарку Тропиной (1971). Однако рисунок цветка передан иначе - густой черневой штриховкой и резьбой с позолотой. Энергично развернутые вокруг выпуклой цветочной сердцевины лепестки подчеркивают упругую шаровидную форму чарки. Нарядный блеск позолоченных деталей цветка и полированного ободка по краю обогащает гравированный на черневом фоне орнамент.
В графической манере разрабатывает свои интересные композиции художник А. С. Чернов (р. 1933). На плоской тарелочке (1969) автор помещает стилизованное изображение глухаря. Рисунок птицы подчинен форме круга. Оперение передано орнаментальными чешуйками и полосками. Глухарь, запрокинув голову, поет. Его раскрытый клюв отчетливо выделяется на фоне диска луны. Декоративным узором, заполняющим всю поверхность изделия, становится не только силуэт птицы, но и черневой рисунок звездного неба, елей, цветов и трав. В нем ощущается современное понимание задач художественного оформления вещи. А. С. Чернов развивает традиционное искусство северной черни, используя новые орнаментальные способы украшения предмета гравюрой на серебре. Искусство устюжской черни является частью богатой культуры русского Севера. Столетиями оттачивались приемы мастерства, складывалось своеобразное стилевое направление черневого дела. Небольшое собрание произведений Великого Устюга в Русском музее дает довольно полное представление об особенностях и развитии этого уникального народного промысла.
Хохлома Вот уже несколько веков живет на земле Горьковской области замечательное искусство хохломской росписи. Не одно поколение людей радует оно своими яркими, звонкими красками. Сияет под прозрачным лаком "золото" на чашах, мисках, поставцах и вазах. Горят на них пышные травы и листья, созревают согретые "золотым" теплом яркие гроздья ягод. На реке Узоле, в древних заволжских лесах раскинулись старинные русские деревни - Новопокровское, Семино, Кулигино, Хрящи. Отсюда и ведет свою историю ивестный во всем мире хохломской промысел. В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов. Однако установить время возникновения хохломской росписи исследователям пока не удалось. Ведь деревянную посуду и другую утварь долго не хранили. От частого употребления она изнашивалась, приходила в негодность. Ее выбрасывали или сжигали, заменяя новой. До нас дошли изделия хохломских мастеров в основном лишь XIX века. Но различные документальные сведения указывают на то, что промысел зародился в более раннее время, возможно в XVII веке. Известно, что в Заволжье издавна делали простую деревянную посуду, чаще всего без росписи, лишь промазывая ее для прочности олифой. Характерная же для Хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве. В документах есть упоминание о том, что в конце XVI и начале XVII века в Троице-Сергиевой лавре при торжественном приеме гостей им подносили деревянные ковши, украшенные золотом и киноварью, а также резные позолоченные кубки. В начале XVII века к Троице-Сергиевой лавре были приписаны заволжские земли, в числе сел и деревень которых находилась и Хохлома. Конечно, крестьяне не только видели эту золоченую посуду, но и могли знать способ ее окраски. Но у хохломских мастеров был свой секрет "золочения". Посуду натирали оловянным порошком, покрывали олифой (вареным льняным маслом) и прогревали в печи. Олифа от высокой температуры желтела, а олово, просвечивающее сквозь нее, становилось "золотом". Подобную имитацию золочения мастера могли почерпнуть у иконописцев, которые покрывали иконы не только настоящим золотом, но и применяли серебряный порошок, который после олифления и прогрева также приобретал золотистый оттенок. В хохломской росписи вместо дорогостоящего серебряного порошка использовался оловянный. Один из крупнейших советских исследователей народного искусства В. М. Василенко так определяет основу возникновения искусства Хохломы: "Самый характер росписи, подражающий золотой и серебряной посуде, был подсказан декоративным искусством Древней Руси... Хохлома, вероятно, была лишь поздним отражением этого большого искусства..."
Возникнув в XVII веке, промысел, очевидно, сформировался окончательно в XVIII, но в XIX веке он разросся настолько, что поставлял свой товар в большом количестве не только на внутренний рынок, но и за границу, в страны Средней Азии и Западной Европы. Изготовлением посуды и других предметов быта занималось много сел и деревень Семеновского и Балахнинского уездов Нижегородской губернии, Макарьевского и Варнавинского - Костромской. Причем в промысле сложилось своеобразное разделение труда. В одних деревнях утварь вытачивали из дерева, в других - расписывали. В большом селе Хохлома, по имени которого посудное ремесло и получило свое название, красильщики скупали у токарей неокрашенное "белье". Здесь же происходила перепродажа уже расписанного, готового товара скупщикам, которые переправляли его на барках по Волге в город Городец, а затем на знаменитую Макарьевскую ярмарку и в Нижний Новгород.
Самые ранние произведения Хохломы в собрании Русского музея относятся ко второй половине XIX века. Они насчитывают около 170 разнообразных по назначению предметов быта. Посуда представлена мисками и чашками любых размеров: от маленьких, похожих на десертные розетки, до огромных, 70-80 сантиметров диаметром; различными поставцами и бочатами, солонками и множеством ложек. Такие предметы выполнялись в основном для крестьянского обихода, как и расписные валек и коромысло, хранящиеся в фондах отдела народного искусства. Широкий спрос и укрепившаяся со второй половины XIX века мода на хохломские изделия не только в городах России, но и за границей способствовали созданию вещей иного характера. Многие из них выполнялись на заказ и полностью отвечали городским вкусам заказчиков. Модные формы бытовых предметов не раз повторялись мастерами, их роспись имела множество вариантов. Это - изящные небольшие вазочки с округлыми чашами на тонких профилированных ножках и большие массивные вазы с бочкообразными туловами, графины и рюмки, кувшины, наборы для специй, подсвечники, коробки и шкатулки с множеством отделений внутри. Делали хохломские мастера и мебель: столы, стулья, табуреты, диваны, полки.
Хохломские изделия охотно покупали. Стоили они довольно дешево, были разнообразны по формам, но самое главное - нарядно расписаны. Причем, покрытая блестящим прочным лаком, роспись долго не теряла своего первоначального вида даже на посуде, которой пользовались особенно часто. Роспись на предметах XIX века хотя и не была столь разнообразной по орнаментальным мотивам, как на современных, однако и тогда имела особую декоративную выразительность. Привлекало праздничное сочетание "золота" с яркой киноварью и глубоким черным цветом, вносившим в колорит благородство и торжественность. Орнамент всегда строго зависел от формы и назначения предмета. Дешевую обиходную посуду можно отличить по простым узорам, нанесенным специальными штампиками из фетровой ткани или гриба-дождевика. Это - спирали, ромбики, мелкие розетки и листики. Часто они сочетались с простейшей росписью по бортику из красных и черных вертикальных мазков. Более дорогие вещи расписывали кистью от руки, создавая различные композиции травного орнамента, где ритмично чередуются слегка изгибающиеся тоненькие красные и черные веточки с пышными перистыми листьями-травинками. Иногда красно-черная пушистая травка дополняла основной орнаментальный мотив вьющегося крупного стебля, каждый завиток которого заканчивался красной ягодкой. На дне миски или чашки мастера любили исполнять своеобразную композицию из трав, заключенную в ромб. Она получила название "пряника".
Травный орнамент широко использовался в хохломской росписи XIX века. Деревенские художники мастерски владели навыками кистевого письма. Им нравилась свобода и особая живописность исполнения "травки", возможность мгновенной, из глубины души идущей импровизации орнамента. Написанный на золотом фоне, легкий травный узор называют "верховым" письмом в отличие от "фонового", которое демонстрирует иные декоративные качества росписи. 
Не нашли, что искали? Воспользуйтесь поиском по сайту: ©2015 - 2024 stydopedia.ru Все материалы защищены законодательством РФ.
|
